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Mejores canciones de folk rock de todos los tiempos

El folk rock combina la esencia del folk tradicional con la energía del rock, y ha dado lugar a muchas canciones icónicas a lo largo de las décadas. Aquí tienes una selección de algunas de las mejores canciones de folk rock de todos los tiempos:

Años 60 y 70 (La era dorada del folk rock)

  1. Bob Dylan – "Like a Rolling Stone" (1965)
  2. The Byrds – "Mr. Tambourine Man" (1965)
  3. Simon & Garfunkel – "The Sound of Silence" (1965)
  4. Buffalo Springfield – "For What It’s Worth" (1966)pg
  5. Crosby, Stills, Nash & Young – "Teach Your Children" (1970)
  6. Neil Young – "Heart of Gold" (1972)
  7. The Band – "The Weight" (1968)
  8. America – "A Horse with No Name" (1971)
  9. Cat Stevens – "Father and Son" (1970)
  10. Fleetwood Mac – "Landslide" (1975)
  11. The Mamas & The Papas - "California Dreamin'" (1965)
  12. Bob Dylan - "Blowin' in the Wind" (1963)
  13. Crosby, Stills & Nash - "Suite: Judy Blue Eyes" (1969)
  14. Joni Mitchell - "Woodstock" (1970)

Años 80 y 90 (Evolución y nuevos sonidos)

  1. R.E.M. – "Losing My Religion" (1991)
  2. The Waterboys – "Fisherman’s Blues" (1988)
  3. The Pogues – "Fairytale of New York" (1987)
  4. Tracy Chapman – "Fast Car" (1988)
  5. Natalie Merchant – "Carnival" (1995)
  6. Indigo Girls – "Closer to Fine" (1989)
  7. Counting Crows – "Mr. Jones" (1993)
  8. Bruce Springsteen - "Brilliant Disguise" (1987)
  9. Dire Straits - "Brothers in Arms" (1985)
  10. U2 - "Where the Streets Have No Name" (1987)
  11. Neil Young - "Rockin' in the Free World" (1989)
  12. Jackson Browne - "Running on Empty" (1977/80s)
  13. Paul Simon - "Graceland" (1986)
  14. Nirvana - "Pennyroyal Tea" (1993)
  15. Pearl Jam - "Better Man" (1995)
  16. Alanis Morissette - "You Oughta Know" (1995)
  17. The Wallflowers - "One Headlight" (1996)
  18. Foo Fighters - "Everlong" (1997)
  19. Bonnie Raitt - "I Can't Make You Love Me" (1991)
  20. Damien Rice - "The Blower's Daughter" (2002)
  21. Bob Dylan - "Not Dark Yet" (1997)

2000 hasta 2020 (Renacimiento del folk rock)

  1. Mumford & Sons – "The Cave" (2009)
  2. The Lumineers – "Ho Hey" (2012)
  3. Fleet Foxes – "White Winter Hymnal" (2008)
  4. The Avett Brothers – "I and Love and You" (2009)
  5. Iron & Wine – "Flightless Bird, American Mouth" (2007)
  6. Of Monsters and Men – "Little Talks" (2011)
  7. Bon Iver - "Holocene" (2011)
  8. Regina Spektor - "Fidelity" (2006)
  9. Edward Sharpe & The Magnetic Zeros - "Home" (2009)
  10. The Decemberists - "The Island: Come and See the Beavers" (2006)
  11. Ryan Adams - "When It Rains" (2000)
  12. Arcade Fire - "Wake Up" (2004)
  13. Hozier - "Take Me to Church" (2013)
  14. Of Monsters and Men - "Little Talks" (2011)
  15. Vance Joy - "Riptide" (2013)
  16. First Aid Kit - "My Silver Lining" (2014)
  17. The Head and the Heart - "All We Ever Knew" (2011)
  18. Sufjan Stevens - "Chicago" (2005/2010s)
  19. Lord Huron - "Ends of the Earth" (2012)
  20. Kings of Leon - "Use Somebody" (2008/2010s)
  21. The Tallest Man on Earth - "King of Spain" (2010)
  22. Phoebe Bridgers - "Motion Sickness" (2017)

Estas canciones representan distintas facetas del folk rock, desde los pioneros como Bob Dylan hasta el renacimiento moderno con bandas como Mumford & Sons.

Eres tú: La historia mejor contada de Mocedades y El Consorcio

Para cualquier bilbaino o bilbaina (sin diptongo, please), nacidos por los años '50 el grupo Mocedades forma parte significativa de nuestra banda sonora vital. Esta cita la apunta Anne Igartiburu, con quien también coincidimos en los platós de TVE en Madrid con ocasión de GetxoWeb en 1996. Algunos, incluso coincididnos en "la mili" con el Sergio de "Sergio y Estíbaliz" (que ofrecieron un concierto, suponemos que para aliviar el servicio).

El documental "Eres tú: De Mocedades a El Consorcio" es una obra de RTVE y EITB que repasa la historia de una de las agrupaciones más icónicas de la música en español, Mocedades, y su evolución hasta convertirse en El Consorcio. Bajo la cuidada dirección de Lorea Pérez de Albéniz (alguna de las tertulias donde hemos coincidido), esta producción celebra la trayectoria de estas emblemáticas formaciones musicales de origen rigurosamente bilbaíno. 

Tras su estreno el 1 de enero en ETB, se emitió en La 2 de RTVE el 19 de enero de 2025, dentro del programa 'Imprescindibles'. A través de material de archivo, entrevistas exclusivas y testimonios de sus protagonistas, el documental reconstruye la trayectoria del grupo desde sus inicios en Bilbao hasta su consagración internacional. 

El documental comienza con el contexto en el que nació Mocedades, en los años 60, cuando un grupo de jóvenes de Bilbao con pasión por la música formó una agrupación inspirada en las armonías vocales del folk y la canción melódica. La formación inicial pasó por varios cambios, pero la esencia del grupo se consolidó con la llegada de los hermanos Uranga, quienes se convirtieron en el alma de la banda.

El gran punto de inflexión para Mocedades llegó en 1973 con su participación en el Festival de Eurovisión, representando a España con la canción "Eres tú", compuesta por Juan Carlos Calderón. Esta interpretación marcó un antes y un después, catapultando al grupo a la fama internacional. "Eres tú" no solo obtuvo un segundo puesto en el certamen, sino que se convirtió en un éxito global, logrando gran repercusión en Estados Unidos y otros países de habla hispana.

Consolidación y reconocimiento internacional

El documental explora cómo, tras el éxito de "Eres tú", Mocedades vivió una etapa dorada en la que grabaron múltiples discos y realizaron giras por todo el mundo. Su estilo, caracterizado por armonías vocales perfectamente ensambladas y letras emotivas, les permitió consolidarse como una de las agrupaciones más importantes de la música en español.

Durante esta etapa, el grupo interpretó grandes éxitos como "Tómame o déjame", "Amor de hombre" y "Quién te cantará", canciones que se convirtieron en himnos de varias generaciones. Además, su estrecha relación con Juan Carlos Calderón como productor y compositor ayudó a moldear el sonido distintivo del grupo.

Transformación y nacimiento de El Consorcio

El documental también aborda los momentos de cambio y transición dentro de la agrupación. Con el paso del tiempo, varios de los miembros originales decidieron seguir caminos distintos, lo que llevó a una reformulación del grupo. Finalmente, en los años 90, algunos de los integrantes fundaron El Consorcio, un nuevo proyecto que continuó el legado de Mocedades, manteniendo el estilo vocal y la esencia melódica que había caracterizado a la banda.

El Consorcio logró mantener el cariño del público y seguir cosechando éxitos, reinterpretando clásicos y ofreciendo nuevas composiciones. A través de entrevistas con los propios miembros, el documental muestra cómo esta evolución permitió que su música siguiera vigente a lo largo de los años.

Testimonios y material inédito

Uno de los aspectos más enriquecedores del documental es la inclusión de testimonios de los propios protagonistas, como Amaia Uranga, Estíbaliz Uranga, Sergio Blanco, Carlos Zubiaga e Iñaki Uranga, quienes relatan en primera persona los momentos clave de su carrera, las dificultades que enfrentaron y las emociones vividas a lo largo de las décadas.

Además, figuras reconocidas de la música y la televisión, como Víctor Manuel, Anne Igartiburu y Leire Martínez (de La Oreja de Van Gogh), aportan su visión sobre el impacto de Mocedades y su legado en la música española.

El documental también presenta material de archivo exclusivo, incluyendo grabaciones inéditas, presentaciones en televisión y ensayos, que permiten al espectador revivir algunos de los momentos más emblemáticos de la historia del grupo.

Un homenaje a la música y la memoria colectiva

Más allá de narrar la historia de una agrupación, "Eres tú: De Mocedades a El Consorcio" es un homenaje a la música como elemento de unión y memoria colectiva. A través de sus canciones, Mocedades logró conectar con varias generaciones y dejó una huella imborrable en la historia de la música en español. El documental no solo es un viaje nostálgico para quienes crecieron escuchando sus canciones, sino también una oportunidad para que nuevas generaciones descubran la magia de sus voces y la importancia de su legado.

En definitiva, "Eres tú: De Mocedades a El Consorcio" es una obra imprescindible para los amantes de la música, que permite conocer en profundidad la historia de un grupo que trascendió fronteras y sigue emocionando al público con su inconfundible estilo.

Otros posts nuestros sobre Mocedades

Webs para encontrar partituras de piano para principiantes

Enumeramos una lista de partituras de piano para principiantes basadas en música clásica famosa, con enlaces a versiones simplificadas que puedes buscar en línea:

1. “Für Elise” de Beethoven. Parte inicial es ideal para principiantes. Busca “Für Elise easy piano sheet” o versiones simplificadas en sitios como Musescore o 8notes.

2. “El Himno a la Alegría” de Beethoven. Este tema es parte de la Novena Sinfonía. Es básico y perfecto para aprender melodías con una sola mano al inicio.

3. “Minuet en Sol Mayor” de Bach. Ideal para trabajar la independencia de las manos con un ritmo sencillo y melódico.

4. “Canon en Re” de Pachelbel. Hay adaptaciones simplificadas donde se toca el tema principal.

5. “Marcha Turca” de Mozart. La melodía inicial se puede aprender fácilmente en versiones para principiantes.

6. “Clair de Lune” de Debussy (fragmento inicial). Aunque la pieza completa es avanzada, las primeras frases se adaptan para estudiantes básicos.

7. “Gymnopédie No. 1” de Erik Satie. Aunque técnicamente no es del período clásico, esta pieza es famosa por su simpleza y belleza.

Sitios para encontrar partituras:

Musescore: Comunidad con partituras gratuitas y adaptadas.

8notes: Recurso gratuito para principiantes.

Piano Street: Tiene versiones simplificadas y avanzadas.

Las mejores canciones del siglo XX

La mejor canción del siglo XX es subjetiva y puede variar según los gustos personales. Sin embargo, aquí hay algunas canciones icónicas que han dejado una huella significativa en la música: “Like a Rolling Stone” de Bob Dylan (1965).
"Bohemian Rhapsody" - Queen (1975)
“(I Can’t Get No) Satisfaction” de The Rolling Stones (1965).
“Imagine” de John Lennon (1971).
What’s Going On” de Marvin Gaye (1971). 
 “Respect” de Aretha Franklin (1967).
Muchos más posts sobre música.

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Xumel: Rock vasco en su máxima expresión desde Getxo

Primer videoclip de XumelZure begi gardenak

Pasear por Getxo siempre es un placer. Pero una delicia adicional es encontrarse y escuchar a dos componentes de Xumel (@XumelTheBand) en el Muelle de Areeta. Jon e Iker, en euskera,... Hemos grabado un par de minutos (mejor escucharlos en el TikTok final), y les hemos recomendado Bizum para sus gastos.

Xumel, es una banda de rock formado en Getxo. Un cuarteto joven formado en 2020 por Peio Bilbao en la batería, Jon Sortelle en guitarra y voz, Martín Hernández en bajo y teclado, e Iker Martín en guitarra y voz. 
En noviembre de 2022 el grupo Xumel publicó el primer trabajo de su carrera: Framed. Se trataba de un EP compuesto por cuatro canciones. En mayo de 2024 acabaron de lanzar su último éxito 'Zure begi gardenak'.
@agirregabiria

Xumel, banda de rock de Getxo, Iker a la voz y la guitarra, Jon a la voz y la guitarra, Martín al bajo y Peio a la batería.

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The Magpies en el 40º Festival de Getxo Folk 2024

Nos ha gustado especialmente el concierto de The Magpies en la Plaza de la estación de Las Arenas. The Magpies es una banda de folk transatlántico que se está convirtiendo rápidamente en uno de los actos más emocionantes e innovadores de la escena de raíces contemporáneas. 

La banda The Magpies combina armonías sublimes con una exquisita musicalidad y una impresionante composición de canciones. Sus tres miembros son: 
  • Bella Gaffney: Cantante, compositora, guitarrista y bajonista galardonada. 
  • Holly Brandon: Aclamada violinista y compositora. 
  • Ellie Gowers: Talentosa cantante, compositora y guitarrista. 
Estilo musical: The Magpies fusiona raíces angloamericanas, inspirándose en el folk celta tradicional, el bluegrass y los senderos de los Apalaches, creando una mezcla musical sin esfuerzo.
Su álbum debut fue lanzado en 2020 y recibió críticas muy favorables. Su segundo álbum, “Undertow”, lanzado en octubre de 2022, alcanzó el Top 40 en la lista oficial de álbumes de folk y tuvo una sesión en vivo en BBC Radio. Actuaciones en vivo: Han realizado giras extensas por el Reino Unido y han actuado en festivales destacados como Glastonbury y Cambridge. 

También The Magpies han tenido presentaciones internacionales en EE.UU., Canadá, Irlanda, Portugal y Luxemburgo. Para más información, se puede visitar su sitio web: www.themagpiesmusic.com

 Todo el amplio programa de Getxo Folk se puede consultar en la web oficial del Ayuntamiento.
@agirregabiria

The Magpies en Getxo Folk

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40º Festival de Folk de Getxo en  septiembre de 2024
Álbum de imágenes y vídeos.
Posts previos sobre anteriores ediciones de Getxo Folk.
@agirregabiria

The Magpies en Getxo Folk

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40º Festival de Getxo Folk en septiembre de 2024

Estamos disfrutando del 40º Festival de Folk de Getxo. Esta mañana con Karmento.
@agirregabiria

Karmento en GetxoFolk 2024

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Aunque es infrecuente que en este mes estemos en Getxo, hemos recogido en diversos posts otras ediciones de este gran festival de música.
Por el momento, pero iremos ampliando, hemos asistido a algunos de los Conciertos en la Plaza de la estación de Las Arenas, a las 13:00 con Karmento y The Magpies, y por las tarde. a las 19:30, con De Ninghures y Gorrondatxe (18:00h). 

 Todo el amplio programa de Getxo Folk se puede consultar en la web oficial del Ayuntamiento.
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De Ninghures en el 40º Festival Internacional de Getxo Folk

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40º Festival de Folk de Getxo en  septiembre de 2024
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Posts previos sobre anteriores ediciones de Getxo Folk.

Homenaje a Françoise Hardy (1944-2024)

Françoise Madeleine Hardy ha sido una cantautora, modelo y actriz francesa. Nació el 17 de enero de 1944 en París, en la Francia ocupada por los nazis, y falleció el 11 de junio de 20241. Fue una figura destacada de la ola yé-yé a principios de la década de 1960. 

Además de su francés nativo, Françoise Hardy también cantó en inglés, italiano, alemán y español. Su carrera abarcó más de cincuenta años y publicó más de treinta álbumes de estudio1. Su primer éxito que la llevó a consagrarse como artista en el extranjero es “Tous les garçons et les filles” (1962), considerada actualmente como un verdadero himno generacional. 

En 1963, Hardy participó en el Festival de la canción de Eurovisión en representación del principado de Mónaco, interpretando la balada “L’amour s’en va” con la que obtuvo el quinto lugar. Además, fue autora de libros de ficción y no ficción publicados a partir del año 2000. 

Su autobiografía “Le désespoir des singes… et autres bagatelles” fue un éxito de ventas en Francia. Como figura pública, Hardy fue conocida por su timidez, su desencanto con la vida de las celebridades y su actitud autocrítica, atribuida a sus luchas de toda la vida contra la ansiedad y la inseguridad.
Otros posts nuestros sobre Françoise Hardy
Imágenes de Françoise Hardy.

¿Quién quiere vivir para siempre?, Queen en Los Inmortales

Who Wants To Live Forever? in the movie Highlander

La canción “Who Wants To Live Forever?” (¿Quién quiere vivir para siempre?) de Queen es una reflexión profunda sobre la naturaleza efímera de la vida y el amor. Escrita por el guitarrista Brian May, esta canción forma parte de la banda sonora de la película “Highlander” (Los inmortales) de 1986. 

Aunque la película trata sobre guerreros inmortales, la canción no se centra en la fantasía, sino en la paradoja de la inmortalidad y el precio emocional que conlleva. En la segunda mitad de la década de los 80, las cosas no iban bien para Queen. 

En 1987, Freddie Mercury fue diagnosticado con VIH, aunque no hizo pública su enfermedad hasta más tarde. Por otro lado, Brian May lloraba la muerte de su padre y la ruptura de su matrimonio. Fue entonces cuando la banda vio parte del metraje sin editar de la película “Highlander”. Esto, junto con las experiencias personales de May, despertó su creatividad.

El guitarrista recuerda: “Esa fue nuestra primera experiencia con ‘Highlander’. No había leído el guión, no creo que ninguno de nosotros lo hubiera hecho. Me emocionó… Abrió una puerta dentro de mí. Estaba lidiando con muchas tragedias en mi vida: la muerte de mi padre y la muerte de mi matrimonio, entre otras cosas. Pude, inmediatamente, escuchar ‘Who Wants To Live Forever’ en mi cabeza, y estaba casi completa en el trayecto en coche hasta mi casa. Recuerdo que se la canté a mi mánager mientras me llevaba y se quedó sorprendido. Me dijo: ‘¿De dónde ha venido esto?’ y yo le contesté: ‘Ni siquiera lo sé’”

El tema se grabó junto a la Orquesta Filarmónica de Londres, con arreglos compuestos por Brian May y el encargado, en parte, de la música de la película, Michael Kamen. En la película, Freddie Mercury cantaba toda la canción, aunque en la versión del disco, Brian May también cantaba varias frases, incluyendo el primer estribillo. 

Ambos, sin duda, se enfrentaban, cada uno a su manera, a la muerte en sus distintas formas. La canción se convirtió en un elemento emotivo en la escena en la que el protagonista veía cómo su mujer envejecía hasta morir mientras él, inmortal, seguía siendo joven. Una curiosidad que añade un toque alegre a esta historia es que en el videoclip de la canción hay un elemento que no encaja en la composición, lo cual agrega un toque intrigante a la experiencia .
Nuestra versión preferida: Sarah Brightman, junto a la London Symphony Orchestra, el 2 de junio de 1997 (adjuntada bajo). Otra versión interesante también es la de la ucraniana Alyona, que se puede ver en Who Wants To Live Forever - Queen (Alyona).
Nuestra música preferida en vídeos.

Carnaval de Oruro (Bolivia) en Getxo

Hemos disfrutado de una gran fiesta intergeneracional como ha sido el Carnaval boliviano de la integración. La Asociación Cultural Pro Bolivia y el Comité Cívico Cultural Boliviano en Bizkaia han organizado para este sábado, día 9, la celebración de la “Séptima entrada del Carnaval Boliviano de la integración” en Bizkaia, en honor a la Virgen del "Socavón", venerada en la ciudad de Oruro (Bolivia). En torno a 600 personas de distintas asociaciones bolivianas han tomado parte en el desfile, que partió de la playa de Bola y discurrirá por el Muelle de Las Arenas (Getxo) para terminar en la plaza del Puente Bizkaia, donde llevarán a cabo una breve representación del baile y explicación de su significado.
Carnavales sudamericanos en Getxo, de Perú, Bolivia,…
Álbum de imágenes y vídeos (se ven mejor en TikTok).
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@agirregabiria

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Carnavales Sudamericanos en Getxo

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El Carnaval de Oruro es Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad (proclamado originalmente en 2001). Oruro, situado a una altitud de 3.700 m en las montañas del oeste de Bolivia, era un importante centro de ceremonias precolombino antes de convertirse en un importante centro minero en los siglos XIX y XX. La ciudad fue refundada por los españoles en 1606 y siguió siendo un lugar sagrado para el pueblo uru, al que venían desde muy lejos para cumplir con los ritos, especialmente la gran fiesta de Ito. Los españoles prohibieron esas ceremonias en el siglo XVII, pero éstas continúan bajo la fachada de la liturgia cristiana: los dioses andinos se ocultaban tras los iconos cristianos, convirtiéndose así en santos. La fiesta de Ito fue transformada en ritual cristiano: la Candelaria (el 2 de febrero), y la tradicional “lama lama” o “diablada” se convirtió en el baile principal de Oruro. 

Todos los años, durante seis días, ese carnaval da lugar el despliegue de toda una gama de artes populares en forma de máscaras, tejidos y bordados. El principal acontecimiento es la procesión (“entrada”), durante la cual los bailarines recorren durante veinte horas, sin interrupción, los cuatro kilómetros de la procesión. Se ha sabido conservar las características tomadas a los misterios medievales. El declive de las actividades mineras y agrícolas tradicionales amenaza a la población de Oruro, así como la desertización del altiplano andino, que provoca una emigración masiva. La urbanización ha producido un fenómeno de aculturación, abriendo una brecha creciente entre las generaciones.

Una niña llamada Gillian, que se aburría en clase

Gillian Lynne nació en Bromley, condado de Kent, Inglaterra, en 1926, y se convirtió en una mujer que nos enseña una lección fundamental sobre la singularidad de cada persona. Cuando era niña, los maestros de Gillian Lynne comenzaron a enviar notas a sus padres. Les advertían que su hija era inquieta e indisciplinada, se distraía a la clase y su rendimiento académico dejaba mucho que desear. Incluso llegaron a sugerir que padecía un serio trastorno de aprendizaje. 

Su madre la llevó a un psicólogo por la falta de atención en la clase, su incapacidad para concentrarse y mantenerse quieta. Tras escuchar a la madre, el doctor le dijo a Gillian que necesitaba hablar en privado con su madre un momento y ambos salieron del despacho. El doctor le pidió a la madre que observase lo que la niña hacía mientras estaba sola, y vio que estaba bailando una canción que sonaba de fondo en la radio. 

El psicólogo dijo a la madre: “Señora, su hija no tiene ningún trastorno, su hija es bailarina. Le recomiendo que la lleve a una escuela de danza”. Allí, según declaró Gillian años después, "fue maravilloso encontrarse con tanta gente que no podía estar quieta y necesitaba moverse para pensar".

Gillian Lynne demostró desde muy pequeña un especial talento para la danza, formando equipo con su amiga de la infancia Beryl Grey desde el colegio y usando la danza para superar la trágica muerte de su madre en un accidente del coche el 8 de julio de 1939, cuando Lynne tenía solamente 13 años de edad.​ Ambas amigas llegaron a ser famosas bailarinas de ballet. 

Gillian Lynne fue bailarina y, sobre todo, una coreógrafa precursora de obras donde se mezcla el jazz, la danza clásica y el teatro, y creó coreografías y espectáculos como “El fantasma de la Ópera” y “Cats”. Gillian Lynne se mantuvo activa hasta sus 88 años, como directora de producción del Birmingham Royal Ballet. Además de su éxito profesional, Gillian también es un ejemplo de las propiedades pedagógicas y terapéuticas de la danza. Esta historia nos recuerda la importancia de reconocer y celebrar lo que nos hace únicos, para luego ponerlo al servicio de los demás. Lo que parece un “problema” puede ser la semilla de un talento extraordinario.
Foto en Cats.

"El rapto en el serrallo" de ABAO Bilbao Ópera

Gracias a una amable invitación de FINECO-Kutxabank, esta noche hemos disfrutado de una cuidada versión de "El rapto en el serrallo" de Wolfgang Amadeus Mozart, a cargo de ABAO Bilbao Ópera que completaba con gran éxito 72 temporadas líricas. en el Palacio Euskalduna de Bilbao. 

Ha sido una velada memorable, de las que quedan para el recuerdo, perfecta para una celebración familiar. Es imposible recoger, en la urgencia de una crónica en el día, todas las perspectivas de una delicia tan completa y multifacética como es, siempre, un espectáculo de ópera. Y más con "El rapto en el serrallo", un singspiel estrenado en el Burgtheater de Viena el 16 de julio de 1782. 

Como siempre que hablamos de música, queremos expresar nuestra absoluta (y casi nunca usamos este adjetivo) admiración - por nuestra manifiesta incapacidad- hacia quienes interpretan música, como la impresionante Euskadiko Orkestra bajo la impecable dirección de Lucía Martín, o de quienes son capaces de abducirnos hacia un paraíso con esas voces de sopranos o tenores. Seguimos aplaudiendo, al llegar a casa, a Jessica Pratt (en el papel de Konstanze), a Juan Antonio Sanabria (Belmonte), así como a Leonor Bonilla (Blonde) y a Mikeldi Atxalandabaso (Pedrillo). 

Como un primer avance, nos ha resultado extrañamente placentero el idioma alemán cantado, junto a las versiones en euskera y castellano de los supratítulos (porque estaban arriba y no como subtítulos). Por apuntar algún aspecto de mejora, nos sorprendió la falta de un breve descanso entre los actos primero y segundo, porque la suma de ambos sobrepasó ampliamente la hora (aunque pasaron como un suspiro).
"El rapto en el serrallo" de ABAO Bilbao Ópera
Álbum de imágenes.

Apreciar la belleza a nuestro alrededor

A pesar de la mala calidad, no se pierdan a la mujer de la bolsa, que le reconoció. Y le dijo que algo así solamente podía ocurrir en Washington D.C.

"En Washington DC, en una estación de metro, una fría mañana de enero de 2007, un hombre con un violín tocó seis piezas de Bach durante unos 45 minutos. Durante ese tiempo, unas 2.000 personas pasaron por la estación, la mayoría de camino al trabajo.

Al cabo de unos cuatro minutos, un hombre de mediana edad se dio cuenta de que había un músico tocando. Disminuye el ritmo, se detiene unos segundos y se apresura a cumplir su horario. Unos cuatro minutos después, el violinista recibió su primer dólar. Una mujer echó dinero en el sombrero y, sin detenerse, siguió caminando.

A los seis minutos, un joven se apoyó en la pared para escucharle, luego miró su reloj y echó a andar de nuevo. A los diez minutos, un niño de tres años se detuvo, pero su madre tiró de él apresuradamente. El niño volvió a pararse para mirar al violinista, pero la madre empujó con fuerza y el niño siguió andando, girando la cabeza todo el rato. Esta acción la repitieron varios niños más, pero todos los padres -sin excepción- obligaron a sus hijos a seguir rápidamente.

A los cuarenta y cinco minutos: El músico toca continuamente. Sólo seis personas se pararon a escuchar un rato. Unas veinte dieron dinero, pero siguieron caminando a su ritmo normal. El hombre recaudó un total de 32 dólares. Al cabo de una hora: Terminó de tocar y se hizo el silencio. Solamente una mujer le reconoció y apenas casi nadie aplaudió.

El violinista era Joshua Bell, uno de los mejores músicos del mundo. Tocó una de las piezas más intrincadas jamás escritas, con un violín Stradivarius valorado en 3,5 millones de dólares. Dos días antes, Joshua Bell había agotado las entradas de un teatro de Boston donde los asientos costaban una media de 100 dólares cada uno para sentarse a escucharle tocar la misma música.

Esta es una historia real: Joshua Bell, tocando de incógnito en la estación de metro de Washington D.C., fue organizado por The Washington Post como parte de un experimento social sobre la percepción, el gusto y las prioridades de la gente.

Este experimento planteaba varias preguntas: en un entorno común, a una hora inadecuada, ¿percibimos la belleza? Si es así, ¿nos detenemos a apreciarla? ¿Reconocemos el talento en un contexto inesperado? Una posible conclusión a la que se llegó a partir de este experimento podría ser la siguiente: Si no tenemos un momento para pararnos a escuchar a uno de los mejores músicos del mundo, tocando una de las mejores músicas jamás escritas, con uno de los instrumentos más bellos jamás fabricados... ¿Cuántas otras cosas nos estamos perdiendo mientras vamos demasiado deprisa por la vida?".

Hakuna Matata, la filosofía del "no te preocupes"


"El Rey León" hizo mundialmente famosa la frase "Hakuna Matata", que en swahili significa "no hay problema". "Hakuna matata': una forma de ser, sin nada que temer. Sin preocuparse es como hay que vivir. La filosofía del “no te preocupes” de Hakuna Matata es un modo de ver la vida con optimismo, alegría y tranquilidad. 

Esta expresión se hizo famosa por la película El Rey León de 1994, en la que los personajes Timón y Pumba le enseñan a Simba a vivir sin miedo ni estrés. La canción sugiere que todos enfrentamos desafíos y problemas en la vida, pero en lugar de dejarnos consumir por ellos, debemos adoptar una actitud positiva y despreocupada. 

Hakuna Matata también nos habla de lo bonito que es vivir, disfrutar del momento presente y apreciar las cosas simples, lo que aumenta la salud, la felicidad y la longevidad. En esencia, el Carpe Diem africano. Algunos beneficios de seguir la filosofía Hakuna Matata son: 
  • Reduce el estrés y la ansiedad, al no preocuparnos por cosas que no podemos controlar o cambiar. 
  • Aumenta la autoestima y la confianza, al aceptarnos tal como somos y no compararnos con los demás. 
  • Mejora las relaciones sociales, al ser más amables, generosos y tolerantes con los demás. 
  • Fomenta la creatividad y la innovación, al estar abiertos a nuevas experiencias y oportunidades. 
  • Potencia la felicidad y el bienestar, al sentirnos más agradecidos, satisfechos y plenos.