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Lo que más nos ha gustado de New York City


Antes de que se difuminen las primeras impresiones de NYC (New York City), queremos recoger algunos aspectos que nos han sorprendido muy favorablemente. Los más obvios, como la arquitectura, urbanismo, la perspectiva turística que lo inunda todo, y la profusión de museos y su altísimo nivel han sido confirmados. Arte por doquier, como encontrarte con escultura del recientemente fallecido Fernando Botero,... en un centro comercial (The Shops, Time Warner Cente, Manhattan) junto a Central Park. 
  El mundo de Cristina de Andrew Wyeth (MoMA)
Hay miles de ideas inspiradoras, Sin mucho orden, pero esta mirada del viajero quizá nos ayude a mejorar nuestro entorno. Por ejemplo, la amabilidad e inmejorable trato de quienes atienden en restaurantes, tiendas, hoteles, taxis,... Quizá sea algo derivado de la obligatoria propina (tip) a añadir, en porcentajes comparativamente altos (mínimo sugerido del 18%,...), pero es agradable leer las anotaciones de agradecimiento que incluyen (algunas en español). 
Menús con kilocalorías en NYC
Todos los menús expresan en kilocalorías (aunque señalen cal.) el valor energético de cada plato o bebida (fotos). Algo muy necesario allí, pero también aquí. También la prohibición de fumar en todos los parques de NYC. Y, por supuesto, la prohibición absoluta de beber alcohol en la vía pública (algo salvaje a lo que estamos acostumbrados en Europa).
Prohibido fumar en todos los parques de NYC.
Abajo, alguno de los miles de bancos con inscripciones particulares de homenaje,... Un modo de sumar esfuerzo público y privado para disfrute de toda la comunidad,... 
Ideas geniales en los parques de NYC, como los bancos de homenaje
En lo tecnológico, sorprende el precio muy rebajado de toda la electrónica de consumo (los productos Apple en oferta en Best Buy,... están a mitad de precio), así como la facilidad de pagar con la palma de cualquiera de nuestra manos en establecimientos como Amazon Go o Whole Foods Market (que visitamos). Inscribimos nuestros datos en menos de un minuto, insertando una tarjeta de crédito y escaneando las palmas de ambas manos. En Amazon Go ni siquiera hay cajeros (ni automáticos), simplemente se pasa por el lector de palmas y todo queda pagado, gracias a las cámaras del techo que han ido viendo qué comprábamos.

Álbum con miles fotos y vídeos de este viaje.

Más posts de este viaje a NYC en verano de 2024.

Museo Metropolitano de Arte (MET)

Décimo día en NYC, domingo 1-9-24
Un maravilloso museo que merece días de visita 
Desde arte egipcio hasta lo más contemporáneo 
Apenas en ocasiones se expone La gran ola (post previo)
Impresionante Washington Crossing the Delaware 
Post a completar en los próximos días 

Álbum con miles fotos y vídeos de este viaje.
También en Twitter, InstagramFacebookTikTok,.., con etiqueta #EnNYC2024.
Viaje anterior por la costa oeste, USA2012.
Más posts de este viaje a NYC en verano de 2024.
@agirregabiria Museo Metropolitano de Arte (MET): Explora su vasta colección de arte y antigüedades. #EnNYC2024 #NYC ♬ Suns - Official Sound Studio
@agirregabiria Museo Metropolitano de Arte (MET): Magnífica colección de arte y antigüedades. #EnNYC2024 #NYC ♬ Dreamers [Music from the FIFA World Cup Qatar 2022 Official Soundtrack] - Jung Kook & BTS

La belleza de lo que se pierde y la vocación de escuchar

Una lección hoy de Jordi Nadal.

Lo primero, lean con tranquilidad el artículo (en La Vanguardia o en la imagen). Lo segundo, cada vez es más repetida la necesidad de aprender a escuchar, para conversar, para liderar, para vivir. “Así como existe un arte de bien hablar, existe también el arte de bien escuchar”, ya aseguraba Epicteto. Ante una petición, transcribimos el artículo: 

Cuentan que el gran guitarrista Paco de Lucía una vez, durante un ensayo, grabó una sesión. Al acabarla, la escuchó de nuevo y, ante el estupor del otro músico con el que tocaba, la borró. Según la leyenda, su acompañante le preguntó asombrado y con estupor: “Pero ¿cómo borra esto, maestro?” y el genio de la guitarra respondió: “No tiene duende”. Así quedó todo. Los genios tienen buenas respuestas.

A veces, podemos borrar las cosas porque son irrelevantes, contingentes o rutinarias. De hecho, algunas ni siquiera necesitamos borrarlas porque nunca se registran. Pero en otras ocasiones, nos encontramos frente a momentos únicos, momentos afortunados que reconocemos y apreciamos cuando suceden. En esos instantes, un silencio se impone a nuestro alrededor. Y hay que estar muy alerta para capturar esa fugacidad y retenerla.


La belleza es comprender que la vida a menudo tiene bellísimos momentos que son elegíacos. A veces, con tintes épicos. Hace­ poco un buen amigo me anunciaba­ algo­ así como su despedida de “todo esto” con humildad, serenidad, vulnerabilidad y ternura. Me tomó de las manos y me dijo­: “Ya no tengo nada que decir”.


Estas lecciones sobre nuestra contingencia y nuestra fugacidad tienen una belleza inmensa, porque nos colocan, desnudos y vulnerables ante el tiempo. Nos hacen sentir pequeños y también grandes, al quitarnos las alfombras bajo las cuales escondemos tantas tonterías. Sí, las cosas que no se pueden reproducir pueden ser doblemente mágicas. Deberíamos aprender a reconocer y a borrar las cosas que no tienen duende.


Mi amigo compartió conmigo aquello por lo que quiere ser recordado, y cuando le pregunté si quería añadir algo más, mencionó la importancia de leer a Séneca y a… (su memoria frágil se detuvo brevemente), hasta que recordó a Montaigne.


He tenido el privilegio de conversar con mi amigo muchas veces. En una ocasión, le pregunté: “¿Qué consejo le darías a alguien que empieza a aprender en la vida?”. Su respuesta fue sencilla y profunda: “Que escuche”. Escuchar, tal vez, sea una forma de vida futura.


Es un gran arte la escucha interactiva, quizá la forma sublime de amor. Concentrarse plenamente en escuchar. sin limitarse a oír pasivamente lo que se dice. La escucha activa es una primera y esencial habilidad social y de gestión. 

Todo mundo quiere hablar; pero el arte de escuchar pocos lo quieren practicar. A menudo, la gente está perdida, centrada sólo en lo que dirán después, sin aprovechar lo sublime de la escucha. Ya no están vivos. En su cabeza, están haciendo algo que no es lo grandioso de escuchar, a las personas, a la naturaleza,...

Posts sobre escuchar (nueva etiqueta), como "El arte de escuchar". 

XXXI Festival de Danza Moderna de Pilar de la Horadada

XXXI Festival de Danza Moderna de Pilar de la Horadada 22-6-24.

Con dirección y coreografía de Gertrudis Andreo Pagán. 
Grabación casi completa en 17 vídeos encadenados y álbum de imágenes.
XXXI Festival de DANZA MODERNA de Pilar de la Horadada

 Fecha: sábado, 22/06/2024. Obras:  “Encanto" y “José el soñador y su túnica multicolor”. Hora: 21:30 h. Lugar: carpa Municipal del Recinto Ferial en Parque Raimundo Benedicto, Avenida Felipe VI, Pilar de la Horadada.

Museo Fundación Boyer Tresaco, una sorpresa en La Manga

El Museo Fundación Boyer Tresaco es un espacio cultural ubicado en La Manga del Mar Menor, cerca de Cartagena, en la Región de Murcia, España. Fundado hace aproximadamente 25 años, este museo tiene una doble misión:
  • Cultural: El museo se dedica a dar a conocer obras de arte, incluyendo las del fundador Boyer Tresaco, así como piezas de otros artistas nacionales e internacionales. Destaca una colección de obras originales de Andy Warhol
  • Social: Además de su enfoque cultural, la Fundación Boyer Tresaco colabora en varios proyectos y programas de ayuda social o humanitaria en diferentes partes del mundo.
El museo está ubicado en la Calle Gran Vía, Km. 0,5, Urb. Los Cubanitos, 30380 La Manga, Cartagena. El acceso es gratuito y se recomienda visitarlo para apreciar el arte y contribuir a su labor social.

Las obras más destacadas en el Museo Fundación Boyer Tresaco incluyen una colección diversa de piezas de arte, con un enfoque especial en las creaciones del fundador, Boyer Tresaco, así como obras de otros artistas nacionales e internacionales. Algunas de las obras notables: 
  • Colección de Andy Warhol: El museo alberga una serie de obras originales del icónico artista Andy Warhol. Sus piezas son conocidas por su estilo distintivo y su influencia en la cultura pop. 
  • Obras de Boyer Tresaco: Como fundador del museo, Boyer Tresaco también ha contribuido con sus propias creaciones. Sus obras pueden variar en estilo y temática, pero todas reflejan su visión artística única. 
  • Exposiciones temporales: Además de las colecciones permanentes, el museo organiza exposiciones temporales que presentan obras de artistas contemporáneos y emergentes. Estas exposiciones cambian con el tiempo y ofrecen una experiencia fresca y dinámica para los visitantes. 
Museo Fundación Boyer Tresaco ha estado comprometida con proyectos sociales durante más de 25 años. Algunos de los proyectos que han apoyado incluyen:
  • Serie SIN: En esta colección, personas sin techo completaron las obras del fundador, Boyer Tresaco, añadiendo frases y reflexiones sobre el sentido de la existencia. Esta muestra plástica representa la conexión entre arte y proyecto social.
  • Colaboraciones humanitarias: La fundación ha utilizado parte de los recursos obtenidos a través del arte contemporáneo para llevar a cabo diversos proyectos de colaboración en áreas sociales y humanitarias. A través de estas iniciativas, han contribuido a mejorar la vida de personas en diferentes partes del mundo.
Boyer Tresaco fue un auditor de cuentas que en un momento dado decidió dar un vuelco a su vida, romper con el pasado y dedicarse al arte. Este cisma vital está representado en la instalación 'Vegetal fresco desde España', que data de 1993 y en la que el artista se representa a sí mismo de forma hiperrealista colgado cabeza abajo y con un zapato desprendido en el techo (foto). En la cartela que acompaña la obra, expuesta en Arco en 1993, se puede leer: "estado actual después de sufrir daños en la cara por el agua y en el cuerpo por accidente en transporte. Permanece en dicho estado por voluntad del artista".

Esta es la pieza más antigua de Boyer Tresaco que se expone en el museo, que ofrece un recorrido por toda su obra (hasta la más actual) y donde además se muestran los distintos libros y catálogos publicados sobre la misma y hasta comparativas de creaciones del aragonés con otras posteriores de otros artistas. "Ha sido un precurso, un pionero", apunta en este sentido Andrea Piedralzar, quien recuerda, por ejemplo, la gran repercusión en prensa que tuvo recientemente la venta de una escultura invisible por parte de un artista italiano, cuando Boyer Tresaco lleva trabajando en ese concepto desde hace más de veinte años. Un exponente de ello es la obra titulada '2.200 decímetros cúbicos de Nada' (foto) que se encuentra en este centro de arte contemporáneo.
Museo Fundación Boyer Tresaco, una sorpresa en La Manga

Animaris, las criaturas eólicas de Theo Jansen


Lo cuenta así Theo Jansen: "Cada primavera voy a la playa con una nueva bestia. Durante el verano hago todo tipo de experimentos con el viento, la arena y el agua. En otoño me vuelvo un poco más sabio sobre cómo estas bestias pueden sobrevivir a las circunstancias de la playa. En ese momento las declaro extinguidas y van al cementerio de huesos".

Theo Jansen (Scheveningen, 1948) es un artista y escultor cinético que vive y trabaja en los Países Bajos. Hizo estudios de física en la Universidad de Delft a partir de 1968, los cuales dejó en 1975 y se convierte en pintor. En 1981 desarrolló una máquina de pintar en Delft. En 1990 desarrolló los Animaris (animales de playa), dedicándose a diseñar una «nueva naturaleza». 

Construye grandes figuras imitando esqueletos de animales que son capaces de caminar usando la fuerza del viento de las playas neerlandesas. Sus trabajos son una fusión de arte e ingeniería. En un anuncio de BMW, Jansen dijo: «Las barreras entre el arte y la ingeniería existen sólo en nuestra mente». 

Theo Jansen se dedica a crear vida artificial mediante el uso de algoritmos genéticos. Estos programas poseen evolución dentro de su código. Los algoritmos genéticos se pueden modificar para solucionar variedad de problemas incluyendo diseños de circuitos, y en el caso de las creaciones de Theo Jansen, sistemas muy complejos.

Hoy el tiempo se ha detenido en Bilbao y en toda Bizkaia

Nadie respira a la espera de que comience el partido de final de la Copa entre el Athletic Club de Bilbao y el Real Club Deportivo Mallorca a las 22:00. El Athletic Club y el RCD Mallorca se enfrentarán en la final de la Copa del Rey 2024, un emocionante encuentro que tendrá lugar en el Estadio La Cartuja de Sevilla. Esta final inédita decidirá al campeón del torneo del “rey”.
El espíritu, la historia y el futuro del Athletic Club no depende del resultado: Si se gana, será una Copa más del equipo que juega con siempre con los de casa, y si se pierde a buscar la siguiente oportunidad, pero sin cambiar un ápice de la tradición.
@agirregabiria

♬ sonido original - Mikel Agirregabiria
Nuestra predicción, pero aceptando el resultado que la deportividad ofrezca, es de 3-1, a favor de Athletic Club.
Athletic Beti Zurekin! Copa del Rey 2024
Álbum creciente de imágenesHashtag: #CopaDelRey.
Post reciente: Athletic Beti Zurekin! Apoyando al Athletic Club de Bilbao.
Muchas más entadas sobre el Athletic Club.

Athletic Beti Zurekin! Apoyando al Athletic Club de Bilbao

Impacientes por ganar la 24º Copa.

Esperando la final de la Copa del Rey 2024, que está programada para ser un emocionante enfrentamiento entre el Athletic Club y el meritorio RCD Mallorca. Este evento inédito se llevará a cabo el sábado, 6 de abril de 2024, a las 21:30 h (hora local) en Sevilla. El Athletic Club de Bilbao, tras superar a equipos como el Barcelona y el Atlético de Madrid, busca su 24ª corona copera, tras seis finales como subcampeón
@agirregabiria

Obra de Darío Urzay sobre el Athletic Club en el Museo Guggenheim Bilbao Museoa

♬ Guggenheim Museum Bilbao Lavender Mist - Velvet Threadz
Los colores rojo y blanco inundan las calles, edificios y lugares emblemáticos de Bilbao, Getxo y toda Bizkaia y alrededores del mapamundi de Bilbao (posts), en apoyo al Athletic Club en esta emocionante final contra el Mallorca. Lo mejor es la obra del gran artista Darío Urzay (posts varios) en el Museo Guggenheim Bilbao

El Museo Guggenheim Bilbao ha creado una instalación artística en su fachada, obra del artista Darío Urzay, para animar al Athletic Club y celebrar su éxito. Esta obra, titulada “Shoot Strokes”, se compone de imágenes fotográficas de gran tamaño que capturan las luces de Bilbao, la ría que vertebra su historia y los colores del Athletic. La instalación, en armonía con la escala de la arquitectura de Frank Gehry, se asemeja al formato alargado de una portería de fútbol. En estas imágenes, Urzay lanza su “shoot” o disparo de cámara al más puro estilo del Action Painting. Las obras se encuentran en la fachada exterior del Museo y forman una estampa inusual que permitirá animar y sumarse a la gran celebración popular si el Athletic se hace con el triunfo y la gabarra recorre la ría con los jugadores a bordo el 11 de abril.

Es relevante mencionar que Darío Urzay tiene una doble relación con el Museo Guggenheim Bilbao y el Athletic Club. Hace más de dos décadas, diseñó la camiseta del Athletic para la Copa de la UEFA de 2004 (posts) utilizando un fragmento ampliado de su obra En una (Microverso I), que forma parte de la Colección del Museo desde 1997. Además, en 2013, otra obra suya, titulada En una (Microverso II), se incorporó a la Colección del Museo gracias a la donación del artista. 
Athletic Beti Zurekin! Copa del Rey 2024
🏆⚽ Athletic Beti Zurekin! Apoyando al Athletic Club de Bilbao.
Post en elaboración hasta ganar la Copa del Rey,...

The Van Gogh Experience Bilbao: Una exposición inmersiva

Primer día de abril, lunes de pascua, extrañamente no en Alicante como hubiéramos estado toda la semana santa previa como siempre desde hace 30 años,...  Comenzamos un nuevo trimestre, tras unos días de añoranza en los posts de ayer. Nos centraremos en Bilbao, el Athletic y el Guggenheim en esta semana.  

Para quienes cursamos dos años de Museología, Experto y Master, toda propuesta y más si es cercana, nos atrae de modo irrefrenable. Para constatar, una vez más, algunos hábitos infalibles de los visitantes novatos: Pasar minutos largos en la primera estancia, repasando las leyendas de los primeros cuadros, de principio a fin. Aquí sucedió lo mismo: Fue imposible fotografiar la biografía de Van Gogh en el primer rellano tras la entrada (post).

Recomendamos esta experiencia, "The Van Gogh Experience Bilbao", para quienes adoren la obra de Vincent Van Gogh y para todo el mundo. Además nos ha descubierto un nuevo museo en Bilbao, Next Museum (también con sedes en Roma, Turón y Milán), que nos conocíamos y que cuenta con notables posibilidades. La única vez que nos permitieron elegir libremente nuevos cuadros para nuestro despacho, elegimos dos obras suyas: Lirios y La noche estrellada.

Sus mejores citas, algunas se proyectan:
  • Sueño en pintar y luego pinto mi sueño.
  • Lo que el color es en un cuadro el entusiasmo es en la vida. 
  • No sé nada con certeza, pero ver las estrellas me hace soñar. 
  • No hay nada más verdaderamente artístico que amar a las personas. 
  • Si realmente amas la naturaleza, encontrarás belleza en todas partes
  • Admira tanto como puedas. La mayoría de la gente no admiran lo suficiente.
  • Siempre pienso que la mejor manera de conocer a Dios es amar muchas cosas. 
  • Puse mi corazón y mi alma en mi trabajo, y he perdido mi mente en el proceso. 
  • Las grandes cosas no se hacen por impulso, sino por una serie de pequeñas cosas reunidas. 
  • Elegí conscientemente el camino del perro a través de la vida. Voy a ser pobre. Voy a ser pintor
  • Intento cada vez más ser yo mismo, me importa relativamente poco si la gente lo aprueba o lo desaprueba.
Nos ha gustado que dejan fotografiar y grabar libremente. Así como la accesibilidad plena y la tienda de recuerdos a la salida. El precio, correcto, con bonificación a diversos colectivos (niños, mayores,...). Una exposición para acudir sin prisa, mínimo una hora, porque la gran sala requiere su tiempo. Quizá lo que menos nos ha sorprendido ha sido el rato, con entrada y pago adicional, de la gafas de realidad aumentada. Tal vez porque ya conocíamos esas Meta Quest (ver posts previos), que en este caso estaban sin mandos y levemente desenfocadas.
@agirregabiria

Experiencia Van Gogh 2

♬ sonido original - Mikel Agirregabiria
The Van Gogh Experience Bilbao: Una exposición inmersiva
Álbum de imágenes y vídeos. Dos TikToks (1º y 2º adjuntado). Shorts (1, 2, 3, 4 y 5)

¿Quién quiere vivir para siempre?, Queen en Los Inmortales

Who Wants To Live Forever? in the movie Highlander

La canción “Who Wants To Live Forever?” (¿Quién quiere vivir para siempre?) de Queen es una reflexión profunda sobre la naturaleza efímera de la vida y el amor. Escrita por el guitarrista Brian May, esta canción forma parte de la banda sonora de la película “Highlander” (Los inmortales) de 1986. 

Aunque la película trata sobre guerreros inmortales, la canción no se centra en la fantasía, sino en la paradoja de la inmortalidad y el precio emocional que conlleva. En la segunda mitad de la década de los 80, las cosas no iban bien para Queen. 

En 1987, Freddie Mercury fue diagnosticado con VIH, aunque no hizo pública su enfermedad hasta más tarde. Por otro lado, Brian May lloraba la muerte de su padre y la ruptura de su matrimonio. Fue entonces cuando la banda vio parte del metraje sin editar de la película “Highlander”. Esto, junto con las experiencias personales de May, despertó su creatividad.

El guitarrista recuerda: “Esa fue nuestra primera experiencia con ‘Highlander’. No había leído el guión, no creo que ninguno de nosotros lo hubiera hecho. Me emocionó… Abrió una puerta dentro de mí. Estaba lidiando con muchas tragedias en mi vida: la muerte de mi padre y la muerte de mi matrimonio, entre otras cosas. Pude, inmediatamente, escuchar ‘Who Wants To Live Forever’ en mi cabeza, y estaba casi completa en el trayecto en coche hasta mi casa. Recuerdo que se la canté a mi mánager mientras me llevaba y se quedó sorprendido. Me dijo: ‘¿De dónde ha venido esto?’ y yo le contesté: ‘Ni siquiera lo sé’”

El tema se grabó junto a la Orquesta Filarmónica de Londres, con arreglos compuestos por Brian May y el encargado, en parte, de la música de la película, Michael Kamen. En la película, Freddie Mercury cantaba toda la canción, aunque en la versión del disco, Brian May también cantaba varias frases, incluyendo el primer estribillo. 

Ambos, sin duda, se enfrentaban, cada uno a su manera, a la muerte en sus distintas formas. La canción se convirtió en un elemento emotivo en la escena en la que el protagonista veía cómo su mujer envejecía hasta morir mientras él, inmortal, seguía siendo joven. Una curiosidad que añade un toque alegre a esta historia es que en el videoclip de la canción hay un elemento que no encaja en la composición, lo cual agrega un toque intrigante a la experiencia .
Nuestra versión preferida: Sarah Brightman, junto a la London Symphony Orchestra, el 2 de junio de 1997 (adjuntada bajo). Otra versión interesante también es la de la ucraniana Alyona, que se puede ver en Who Wants To Live Forever - Queen (Alyona).
Nuestra música preferida en vídeos.

La gran ola de Kanagawa, una omnipresente imagen

La gran ola de Kanagawa” es una obra maestra del arte japonés que ha cautivado a personas de todo el mundo. Fue creada por el pintor especialista en las estampas ukiyo-e, Katsushika Hokusai (autorretrato en la imagen lateral), y se publicó entre 1830 y 1833 durante el período Edo de la historia de Japón. Es parte de la famosa serie “Fugaku sanjūrokkei” (36 vistas del Monte Fuji).

Aspectos interesantes sobre esta icónica estampa: 
  • La obra muestra una enorme ola que se alza sobre unos barcos, con el majestuoso monte Fuji al fondo. La composición equilibrada y la intensidad de la ola capturan la fuerza y la belleza de la naturaleza. 
  • Contexto Histórico y posibles significados: 
    • Algunos sugieren que la ola podría ser una metáfora de la invasión extranjera en tierras japonesas. En ese momento, Japón reflexionaba sobre si abrirse al exterior o permanecer aislado. Fuerza de la Naturaleza: 
    • Otra interpretación es que la ola representa la virulencia de la naturaleza, capaz de acabar con vidas humanas e incluso elevarse por encima del mismísimo monte Fuji, un símbolo nacional en Japón de eternidad. 
  • Legado Duradero: La obra ha influido en artistas y coleccionistas en todo el mundo. Se ha convertido en un ícono cultural y sigue siendo recreada en diversas formas, desde murales hasta tatuajes. 
Algunas curiosidades de la icónica imagen de Japón.  Fue creada hace casi 200 años y sigue siendo recreada en todas partes. En murales y tatuajes, en estampillas y ropa, en caricaturas y hasta en emojis. En apenas unos escasos 25,7 por 37,8 centímetros, Hokusai logró plasmar una escena épica, un drama oceánico con una composición simple pero tremendamente poderosa.

1. El tema no era 'La gran ola'. En realidad una vista del monte Fuji. En aquellos días, el monte Fuji era visto como una deidad protegida, espectacularmente visible desde Edo, el Tokio moderno. Provocaba cierto temor, por la posibilidad de una erupción del volcán, pero también adoración, pues la nieve de su cima era su fuente de agua, y algunos pensaban que guardaba el secreto de la inmortalidad. De hecho, aunque toda la serie gustó cuando se lanzó, 'Fuji Rojo' fue mucho más popular que 'La gran ola' en el Japón de 1800, debido a la reverencia espiritual hacia la sagrada montaña. 

2. Hokusai la pintó cuando tenía 70 años. Según él mismo dijo, todavía estaba aprendiendo; es más, estaba convencido de que su mejor trabajo estaba por venir. En unas memorias conmovedoras que escribió a los 76 años, abrió su corazón. "Desde los 6 (años), tenía una inclinación por copiar la forma de las cosas. A partir de los 50, se publicaron mis imágenes...", refiriéndose a diez volúmenes de dibujos, cada uno con 60 páginas cubiertas con imágenes de todos los temas imaginables: figuras y animales reales e imaginarios, plantas, paisajes marinos, dragones, poetas y deidades... en fin. Se llamaban "manga", una especie de prototipo de manga moderno, aunque el significado era ligeramente diferente en esa época. Después de una pausa, le encargaron diez volúmenes más de su manga, y pidió que se hicieran con papel más barato para que sus ideas pudieran difundirse más ampliamente. Murió en 1849, a los 89 años, sin sospechar cuán grande era el destino que le esperaba a su gran ola. Al lado, autorretrato de Hokusai a la edad de 83, en el año 1842.

3. Es más que japonesa 'La gran ola' de Hokusai sólo llegó a costas ajenas 18 años después de su muerte, y más de 35 después de que él la creara, pues Japón estuvo aislado durante dos siglos. Desde 1640, el país se había cerrado en gran medida al mundo y solo se permitía una interacción limitada con China y Holanda. Aunque los foráneos no podían entrar en Japón, las cosas extranjeras sin duda podían hacerlo, algo que se ve claramente en 'La Gran Ola'. Está impresa en papel de morera japonés tradicional en sutiles tonos de amarillo, gris y rosa. Pero el color que domina es un azul intenso y profundo... un azul que no era japonés. azul de Prusia.


4. Inspiró a grandes artistas. En la década de 1850, cuando la Revolución Industrial avanzaba, las grandes potencias manufactureras buscaban agresivamente nuevas fuentes de materias primas y nuevos mercados para sus productos. Les parecía incomprensible, de hecho intolerable, la cerrada actitud de Japón. Al final, los estadounidenses concluyeron que el libre comercio tendría que imponerse por la fuerza. Y lo lograron. Cuando se abrieron las fronteras, hubo una avalancha de cultura visual japonesa en Occidente, y su influencia en las artes occidentales fue tal que hasta tiene nombre: japonismo. La presentación en sociedad -occidental- de 'La gran ola' se produjo en la Exposición Universal de 1867 en París, y su impacto fue revolucionario. El contraste de la sencillez con la que expresaba tal dramatismo y los grandes óleos europeos era abismal.

5. Era baratísima. Sabemos que en 1842 el precio de cada impresión de 'La gran ola' se fijó oficialmente en 16 mon, el equivalente a una ración doble de fideos. Hoy cuestan varios millones de raciones dobles de fideos. 
En marzo de 2021, un grabado de 'La gran ola' realizado alrededor de 1831 se vendió por 1,6 millones de dólares en una subasta de arte japonés y coreano de Christie's Asia en Nueva York. Era un arte barato, pero cuando se imprimía en grandes cantidades con estándares técnicos exquisitos, podía ser muy rentable: a la gente le fascinaba para adornar sus viviendas. Roy Fox Lichtenstein tomaron ideas de artistas como Hokusai y reinterpretaron su visión: 'La gran ola' tuvo un significado especial para ellos, como en "Chica ahogándose". 

6. No es un tsunami. Mucha gente asume que 'La gran ola' representa un tsunami. "Podemos estar seguros de que no es un tsunami", le dijo a la BBC el experto en hidrodinámica Chris Swan, del Imperial College de Londres. "Los tsunamis son olas generadas por eventos sísmicos, a menudo en aguas profundas. Cuando eso pasa, la ola tiene una cresta muy larga, que no es el caso en la imagen". "Es una imagen de una ola gigante, vagabunda o monstruo, una ola piramidal. Son olas que se generan por la superposición: la suma de muchas olas existentes, crestas sobre crestas". Así, lo que Hokusai dibujó es un fenómeno natural, infundiendo a la imagen un dramatismo y una escala extraordinarios, y originando una de las mejores representaciones del poder del mar en la historia del arte.

7. Esta obra forma parte de "La historia del mundo en 100 objetos" de la BBC (pronto post con los otros referentes como la piedra Rosetta (post previo),,... En resumen, “La gran ola de Kanagawa” es una poderosa representación artística que trasciende el tiempo y la geografía, evocando tanto la majestuosidad de la naturaleza como las complejidades de la historia humana. Para concluir, una versión animada.