Los códigos de Netflix son números específicos que puedes usar para acceder a categorías ocultas o más específicas dentro del catálogo de la plataforma. Son cifras cambiantes, y alguna puede no funcionar para algunos géneros en el futuro.
Estos códigos funcionan en el navegador web cuando se teclea esta URL: https://www.netflix.com/browse/genre/número Por ejemplo, para "Thrillers clásicos", es:
Existen tres tipos de anacronías: analepsis, prolepsis y elipsis. Analepsis: hacer un salto narrativo al pasado.
Prolepsis: hacer un salto narrativo al futuro.
Elipsis: omitir momentos siguiendo la línea de tiempo.
La analepsis, también conocida como flashback, es una técnica narrativa en la que se produce una interrupción en la secuencia cronológica de los eventos para narrar hechos ocurridos en un momento anterior al tiempo en el que transcurre la historia principal. Se utiliza para dar contexto, explicar antecedentes de los personajes o situaciones y profundizar en la trama, permitiendo que el lector o espectador entienda mejor el presente de la historia. La analepsis es común en la literatura, el cine y la televisión.
Se suele distinguir entre flashback, término tomado del teatro donde se da un breve "salto atrás", y el racconto, de mayor extensión. Narra acontecimientos anteriores al presente de la acción e incluso anteriores al inicio de la creación.
Un ejemplo clásico de analepsisse encuentra en la novela Cien años de soledad de Gabriel García Márquez. En esta obra, se utiliza el recurso de flashback para narrar eventos pasados de la familia Buendía, permitiendo comprender el presente de los personajes y la historia de Macondo.
Otro ejemplo es en Forrest Gump, donde el personaje principal recuerda varios momentos de su vida mientras cuenta su historia a distintas personas en una parada de autobús. Estos saltos al pasado dan contexto a su vida y explican cómo llegó a la situación actual.
Un caso de prolepsis, o flashforward, aparece en Crónica de una muerte anunciada de Gabriel García Márquez. Desde el comienzo de la novela, el lector sabe que Santiago Nasar va a morir, y a lo largo de la historia se anticipa repetidamente su muerte inminente. Este recurso intensifica la tensión narrativa, ya que se exploran los eventos y decisiones que llevan a ese desenlace anunciado.
Otro ejemplo es en la serie de televisión Breaking Bad, donde varios episodios inician con escenas en el futuro que muestran consecuencias catastróficas o misteriosas, antes de volver al presente para contar cómo los personajes llegan a esa situación.
Un ejemplo de elipsis ocurre en El extranjero de Albert Camus (varios posts). En esta novela, la muerte de la madre del protagonista, Meursault, no es detallada; simplemente se menciona que ha fallecido. La narrativa omite cualquier descripción del evento en sí, y en cambio se centra en las reacciones de Meursault y su indiferencia ante el hecho. Esta elipsis refleja la apatía del personaje y enfatiza la distancia emocional que lo caracteriza.
Otro ejemplo se da en Don Quijote de la Mancha (varios posts) de Miguel de Cervantes, donde la historia omite detalles de la recuperación de Don Quijote después de sus derrotas. Simplemente se menciona que volvió a casa o que pasó un tiempo sin aventuras. Esto permite avanzar rápidamente en la trama sin detenerse en eventos que no son esenciales para el desarrollo principal.
True Detective 3 es el mayor MacGuffin televisivo que he visto. La desaparición de dos niños es un pretexto o excusa para narrar la gestación de un matrimonio y una amistad. Tres tiempos narrativos con múltiples analepsis (flashbacks) y prolepsis (flashforwards). Brillante. pic.twitter.com/IqmLm8OFet
Ford vs Ferrari (2019), titulada Le Mans '66 en España y otros países europeos, dirigida por James Mangold, es una película basada en hechos reales que narra la rivalidad entre las marcas automovilísticas Ford y Ferrari durante la década de 1960. La historia sigue a Carroll Shelby (Matt Damon), un ex piloto y diseñador de autos, y a Ken Miles (Christian Bale), un talentoso y excéntrico piloto británico, quienes se asocian con la compañía Ford para crear un auto capaz de vencer a Ferrari en la prestigiosa carrera de Le Mans de 1966.
Ford, bajo la dirección de Henry Ford II, junto con figuras como Lee Iacocca, busca recuperar su imagen en el mundo automovilístico tras ser humillado por Ferrari. Shelby y Miles enfrentan enormes desafíos técnicos y corporativos para construir el Ford GT40, un auto que no solo compita, sino que supere a Ferrari en velocidad y resistencia. A lo largo de la película, el equipo lucha contra las presiones internas de la compañía, mientras que la amistad entre Shelby y Miles se fortalece en su empeño por alcanzar la victoria.
El filme destaca tanto por sus espectaculares escenas de carreras como por el drama humano detrás del desarrollo del automóvil, mostrando la pasión, el sacrificio y la lucha por la excelencia. Ford v Ferrari fue aclamada por la crítica por su actuación, guion y diseño de sonido, y fue nominada a varios premios Oscar, ganando en las categorías de Mejor Montaje y Mejor Edición de Sonido.
Ford ganó las 24 Horas de Le Mans cuatro veces consecutivas entre 1966 y 1969 con el Ford GT40. Esta victoria rompió la racha de seis victorias consecutivas de Ferrari en la carrera.
La rivalidad entre Ford y Ferrari es una de las más legendarias en la historia del automovilismo. Todo comenzó en la década de 1960 cuando Henry Ford II, nieto del fundador de Ford, intentó comprar Ferrari para expandir su presencia en el mercado europeo. Sin embargo, Enzo Ferrari rechazó la oferta en el último momento, lo que enfureció a Ford.
Decidido a vengarse, Henry Ford II decidió invertir millones de dólares en un programa de carreras con el objetivo de vencer a Ferrari en la 24 Horas de Le Mans. Esta rivalidad culminó en 1966, cuando Ford logró su primera victoria en Le Mans con el Ford GT40, rompiendo la racha de victorias de Ferrari en la carrera.
La película también conocida como "Contra lo imposible" (puede verse en Prime Vídeo, ahora por 2,99€) narra esta histórica batalla, destacando los esfuerzos de Carroll Shelby y Ken Miles para desarrollar el Ford GT40 y superar a Ferrari. La rivalidad no solo fue una competencia de ingeniería y velocidad, sino también un enfrentamiento cultural entre Estados Unidos y Europa.
Algunos detrás de cámara de la filmación de Ford vs Ferrari. En alguna toma incluso se ve como un Ferrari 250 GTO choca con el cámara car... evidentemente todos los coches son réplicas pues los auténticos valen una millonada. pic.twitter.com/49TM1tmvEq
Ford vs Ferrari 🏎 El visionario Carroll Shelby y el conductor británico Ken Miles reciben la misión de construir un nuevo automóvil con el fin de derrocar el dominio de Ferrari en el Campeonato del Mundo de Le Mans de 1966. Una de las mejores películas de motivación empresarial y un ejemplo de porque nunca hay que desistir.
Nos ha despertado una camaradería de lectores una vieja película que se puede ver en Netflix,... “La carta final” (“84 Charing Cross Road”) dirigida por David Hugh Jones en 1987 y protagonizada por Anne Bancroft y Anthony Hopkins.
La historia se basa en hechos reales y sigue la correspondencia entre Helene Hanff (interpretada por Anne Bancroft), una escritora neoyorquina apasionada por la literatura británica, y Frank Doel (interpretado por Anthony Hopkins), un librero londinense.
Helene envía una carta a la librería de Frank en busca de clásicos de la literatura inglesa difíciles de encontrar en Nueva York. A partir de ahí, se desarrolla una conmovedora amistad a través de cartas que dura veinte años, aunque nunca se conocen en persona.
La película destaca por su emotiva narrativa y las actuaciones de Bancroft y Hopkins, y fue bien recibida por la crítica.
Hay varias escenas memorables en “La carta final”. Una de las más destacadas es cuando Helene Hanff recibe un paquete de libros raros y difíciles de encontrar enviados por Frank Doel. La emoción y gratitud de Helene al abrir el paquete y descubrir los libros es palpable y conmovedora.
Otra escena significativa es cuando Helene envía un paquete de alimentos a la librería durante la posguerra, cuando Londres aún sufría de racionamiento. Este gesto de generosidad y la respuesta agradecida de Frank y sus colegas muestran la profundidad de la amistad que se ha desarrollado a través de sus cartas.
Estas escenas capturan la esencia de la película: una conexión profunda y significativa entre dos personas que nunca se conocieron en persona, pero que compartieron una amistad duradera a través de su amor por los libros.
“La carta final” recibió críticas generalmente positivas tanto de la crítica profesional como de los espectadores. Destacan la emotividad de la historia y las actuaciones de Anne Bancroft y Anthony Hopkins. Los usuarios valoraron especialmente la química entre los protagonistas y la forma en que la película captura la pasión por los libros y la literatura.
En general, “La carta final” es apreciada por su narrativa conmovedora y las sólidas actuaciones de su elenco principal.
Algunos de los personajes secundarios también son reseñables:
Nora Doel (interpretada por Judi Dench): Es la esposa de Frank Doel. Aunque su papel es secundario, su presencia añade profundidad a la vida personal de Frank y muestra el impacto de la correspondencia en su familia1.
Maxine Stuart (interpretada por Jean De Baer): Es una amiga de Helene Hanff en Nueva York. Su personaje ayuda a mostrar el entorno social de Helene y su vida fuera de la correspondencia con Frank.
George Martin (interpretado por Maurice Denham): Es un colega de Frank en la librería. Su personaje contribuye a la atmósfera de la librería y muestra la camaradería entre los empleados.
Kay (interpretada por Mercedes Ruehl): Es otra amiga de Helene en Nueva York. Su personaje también ayuda a contextualizar la vida de Helene en Estados Unidos.
Aunque “La carta final” es principalmente un drama, tiene algunos momentos ligeros y cómicos que añaden un toque de humor a la historia. Uno de estos momentos ocurre cuando Helene Hanff envía una carta a la librería en Londres con una lista de libros que desea comprar. Su tono directo y a veces sarcástico en las cartas provoca sonrisas, especialmente cuando compara los precios de los libros en Nueva York con los de Londres y se queja de los altos costos en su ciudad.
Otro momento es cuando Helene envía un paquete de alimentos a la librería durante la posguerra. La reacción de los empleados de la librería, que no están acostumbrados a recibir tales regalos, es tanto conmovedora como divertida.
Estos momentos de humor ayudan a equilibrar la emotividad de la película y muestran la personalidad vivaz de Helene.
84, Charing Cross Road, de Helene Hanff, una bella compilación de cartas que rinde un homenaje a la literatura, las librerías y la amistad. No olviden, por favor, dejar sus comentarios y suscribirse al canal.
👑👑👑 Desde @1libro1hora os queremos acompañar también esta noche de Reyes con una historia maravillosa, llena de amor por la literatura y que supone todo un homenaje a los libreros
¡Te esperamos! 📖 84, Charing Cross Road 📆 La madrugada del jueves al viernes ⌚️ 4:00h pic.twitter.com/LE3toKr5YE
Hay una variedad de elementos comunes que unen a "84, Charing Cross Road", de Helene Hanff, con "Querido señor Henshaw", de Beverly Cleary (el recurso epistolar, la casi perfecta extensión de sus páginas, una extremada y envidiable sencillez de estilo, el público específico al… pic.twitter.com/3CUctYcbKY
Hemos vuelto a ver “El dilema de las redes sociales”, un documental de 2020 dirigido por Jeff Orlowski que explora el impacto negativo de las redes sociales en la sociedad. A través de entrevistas con exejecutivos de grandes compañías tecnológicas como Facebook, Google y Twitter, el documental revela cómo estas plataformas están diseñadas para manipular las emociones y comportamientos de los usuarios con el fin de mantenerlos conectados y maximizar los beneficios económicos.
El documental destaca varios puntos clave:
Adicción y manipulación: Las redes sociales utilizan estrategias sofisticadas para enganchar a los usuarios, como recomendaciones automáticas y notificaciones.
Impacto en la salud mental: Se ha observado un aumento en la depresión y las tasas de suicidio entre adolescentes desde la popularización de las redes sociales.
Capitalismo de vigilancia: Las plataformas recopilan y explotan datos personales para obtener beneficios económicos.
Aunque el documental ha sido elogiado por su accesibilidad y relevancia, también ha recibido críticas por no ofrecer soluciones concretas a los problemas que presenta.
Algunas soluciones y recomendaciones para mitigar estos efectos negativos son:
Desactivar las notificaciones: Justin Rosenstein, creador del botón “Me gusta” en Facebook, sugiere desactivar las notificaciones para reducir las distracciones y la adicción.
Limitar el tiempo de uso: Establecer límites de tiempo para el uso de redes sociales puede ayudar a reducir su impacto negativo en la salud mental.
Alfabetización digital: Promover la educación digital para que los usuarios puedan discernir entre fuentes fiables y no fiables, y evitar la propagación de desinformación.
Regulación y políticas: Implementar regulaciones más estrictas sobre cómo las empresas tecnológicas pueden recopilar y utilizar los datos de los usuarios.
Estas son algunas de las medidas que se pueden tomar tanto a nivel individual como colectivo para retomar el control sobre el uso de las redes sociales.
🎬 "El Dilema de las redes sociales". Documental con denuncias de jefes de proyectos en las plataformas digitales más importantes: - "La humanidad está en jaque" - "Si quieres controlar a la población no hay mejor herramienta que facebook" - "No es accidental, es una técnica" pic.twitter.com/kfa2WKhe8l
Para el debate, algunas críticas, con conceptos como las burbujas-filtro, con referencias a libros como "Hooked" (Enganchado) de Nir Eyal (pronto post),...
Finalmente, en el avión A330-200 de Iberia que nos llevó a NYC, hemos visto la película El maestro que prometió el mar. Es una película de drama biográfico española dirigida por Patricia Font y estrenada en 20231.
La historia se centra en Antoni Benaiges, un maestro de Tarragona que es destinado a la escuela pública de Bañuelos de Bureba, un pequeño pueblo en la provincia de Burgos.
Antoni utiliza un método de enseñanza pionero y revolucionario para la época, basado en la metodología Freinet, que transforma la vida de sus alumnos y del pueblo. Sin embargo, sus ideas no son bien recibidas por todos, especialmente durante la llegada del régimen franquista.
A pesar de las dificultades, Antoni Benaigespromete llevar a sus alumnos a ver el mar, una promesa que se convierte en un símbolo de esperanza y libertad.
La película también aborda la búsqueda de los restos de Antoni, desaparecido durante la Guerra Civil Española, y cómo su legado sigue vivo en la memoria de sus antiguos alumnos y familiares.
Se puede ver El maestro que prometió el mar en varias plataformas de streaming y cines locales. Recomendaría revisar servicios como Netflix, Amazon Prime Video, HBO Max, o Filmin, ya que suelen tener una amplia selección de películas españolas. También puedes consultar la cartelera de los cines en tu área para ver si la están proyectando.
El Método Freinet es una pedagogía alternativa desarrollada por el educador francés Célestin Freinet a mediados del siglo XX. Este enfoque se centra en el libre desarrollo de la personalidad del niño y promueve una educación activa y participativa.
Algunos de los Principios del método Freinet, que siguen vigentes hoy días, son:
Educación para la acción: Los niños aprenden haciendo y experimentando, lo que fomenta un aprendizaje más significativo y duradero.
Cooperación y trabajo en equipo: Se promueve la colaboración entre los estudiantes, creando un ambiente de aprendizaje cooperativo.
Imprenta escolar: Freinet introdujo el uso de la imprenta en las escuelas para que los niños pudieran crear y publicar sus propios textos, fomentando la creatividad y la expresión escrita1.
Educación personalizada: Se respeta el ritmo y las particularidades de cada niño, adaptando la enseñanza a sus necesidades individuales.
Rol del maestro: El maestro actúa como guía y facilitador, proporcionando herramientas y técnicas para que los estudiantes desarrollen sus habilidades de manera autónoma.
Aplicaciones prácticas:
Textos libres: Los estudiantes escriben sobre temas de su interés, lo que se convierte en material de estudio y discusión en clase.
Correspondencia escolar: Intercambio de cartas con estudiantes de otras escuelas, promoviendo la comunicación y el intercambio cultural.
Talleres y proyectos: Actividades prácticas que integran diferentes áreas del conocimiento y fomentan el aprendizaje activo.
El Método Freinet busca transformar la educación tradicional en una experiencia más dinámica y centrada en el alumnado, promoviendo el desarrollo integral y la autonomía de los niños.
Al final, en mayor o menor medida, las obras beben unas de otras, y eso es lo bonito de este arte. Vamos a ver qué tal sale este hilo de paralelismos entre dos películas: La lengua de las mariposas (1999) y El maestro que prometió el mar (2023). A ello. 🧵🧵 pic.twitter.com/bPis2mzyex
— The Phantom of the Opera (@ThePhantomastic) April 16, 2024
Desde “La lengua de las mariposas” no me emocionaba tanto. “El maestro que prometió el Mar” versa sobre Antoni Benaiges, hay que conocerlo y honrarlo. Educar para que sean y libres. Podéis verla alquilándola en @Filmin Me quedo con estos momentos de la película 👇🏾 pic.twitter.com/VCeveHxUmp
Tras más de 4 meses sin ver apenas Netflix y otras plataformas, al retomar la visión de películas y series, nos sorprende la gran cantidad de ellas que han sido rodadas en Bilbao, Getxo,... y en toda Bizkaia. Confirmamos en DEIA que Bizkaia fue escenario de 151 producciones en 2023, una cifra “sin precedentes".
Películas como "El cuarto pasajero" (trailer), dirigida por Álex de la Iglesia, esta película fue rodada en Bilbao, Loiu, Alonsotegi y Erandio, o series como "El silencio", protagonizada por Arón Piper, se rodó en varios lugares emblemáticos de Bilbao, como las Torres de Isozaki, el Colegio de Abogados de Bilbao, la Plaza Circular,...
Bizkaia cuadruplica su negocio del cine con incentivos fiscales de récord en Europa, logrando un impacto económico de 58,5 millones por el rodaje de 151 producciones en 2023. Bizkaia estrenó el año pasado, 2023, unos incentivos fiscales para las producciones audiovisuales que están entre los más altos del sector en Europa. Con competencia normativa propia en el ámbito de Hacienda, el ente foral y el Ayuntamiento de Bilbao lograron captar 151 producciones en 2023 que sumaron 1.026 días de rodaje y movilizaron a 1.113 personas.
La Diputación de Bizkaia y el Ayuntamiento de Bilbao forman equipo en la sociedad Bilbao Bizkaia Film Commision, que actúa como imán para la atracción de rodajes. Su principal herramienta de persuasión son los citados incentivos fiscales. Las deducciones por gastos oscilan entre el 35% y el 60%, y pueden llegar al 70% para los rodajes en euskera. Esas deducciones se aplican tanto sobre el propio coste de producción como sobre las inversiones realizadas en la emisión de copias y en los gastos de promoción de la película o serie.
Xabier Ochandiano, Concejal de Desarrollo Económico, Comercio, Turismo y Empleo del Ayuntamiento de Bilbao, ha anunciado la licitación pública este año para la construcción de un hub audiovisual en la isla de Zorrotzaurre en la capital vizcaína. Contará con un espacio de 100.000 metros cuadrados para el rodaje con platós digitales, espacios de post producción, filmaciones en exteriores y camerinos. Estas instalaciones también dispondrán de almacenes y oficinas, dejando espacio para un centro de formación ante el déficit de técnicos para rodajes, ante la explosión de producciones.
Aparte de los incentivos fiscales, los empresarios del sector también valoran la buena disposición de las administraciones locales para facilitar los rodajes y las localizaciones del territorio, con paisajes de montaña y de costa. Ochandiano ha comentado que desde Bilbao Bizkaia Film Commision diseñan “un traje a medida de cada proyecto”.
Ainara Basurko, diputada foral de Promoción Económica, ha adelantado que la buena racha seguirá en 2024. Cada rodaje genera ingresos en aeropuertos, hoteles, restaurantes, pagos por permisos de uso de vías públicas, altas en la Seguridad Social de cientos de personas, etcétera. “Y no es una estimación, sino un impacto real directo” y cuantificable, según Basurko.
Entre los largometrajes y series, destacan la película “El Hoyo 2″ de Galder Gaztelu-Urrutia y la serie “Cicatriz” de Amazon Prime y RTVE. El territorio histórico de Bizkaia también acogió el rodaje de cortometrajes, documentales, videoclips y anuncios, entre otros proyectos.
Se puede comprobar que esto no es nada nuevo, como demuestra el vídeo anterior y otros muchos,...
Bizkaia amplía los incentivos fiscales, que en el audiovisual podrán llegar incluso al 70 %. Las nuevas deducciones, aprobadas por la UE, oscilarán entre el 35% y el 60%, incrementándose en otro 10% si se trata de una obra rodada íntegramente en euskera: https://t.co/1UuW25Lk8Cpic.twitter.com/2hoK9VJxZe
Sisu es un concepto finlandés descrito como determinación estoica, tenacidad en el propósito, valor, valentía, resiliencia y dureza, y los propios finlandeses lo sostienen para expresar su carácter nacional. "Agallas" es una traducción bastante adecuada que utiliza la misma metáfora, ya que la palabra deriva del vocablo sisus, que significa "interior" y "entrañas". Un concepto emparentado con sisu es resolución, el cual comparte algunos de sus elementos con sisu, excepto por el "manejo del stress" y pasión por alcanzar una meta lejana.
Se considera que Sisuno tiene un equivalente literal en otros idiomas, por lo que se ha introducido como neologismo en muchas lenguas. Sisues una determinación extraordinaria frente a la adversidad extrema y el coraje que se presenta típicamente en situaciones donde el éxito es poco probable. Se expresa actuando contra todo pronóstico y mostrando coraje y resolución ante la adversidad; en otras palabras, decidir un curso de acción y luego adherirse a él incluso si se producen repetidos fracasos. En cierto modo es similar a la ecuanimidad, aunque sisu implica un elemento de manejo sombrío del estrés.
En inglés "thole", como sustantivo, es la capacidad de soportar dificultades. Como verbo, soportar pacientemente, esforzarse en tiempos difíciles; "to thole on" (escocés). También "ganbaru/gambaru (頑張る)" en japonés, significa literalmente "mantenerse firme"). El inglés "gutsy" (valiente) invoca una metáfora relacionada con ésta (y que se encuentra en otros idiomas) desde el "interior", como "entrañas" o "tripas", que evoca la metáfora "grit”.
Sisu es una búsqueda de la felicidad, porque trata de seguir adelante cuando una tarea parece una locura o casi desesperada.
Perfecto para el comercio y el juego de la vida. Se convertió casi en sinónimo de la Guerra de Invierno ruso-finlandesa de 1939, a pesar de que el concepto ha existido de una forma u otra durante la mayor parte de la historia de Finlandia. Indica determinación, tenacidad, agallas, valentía y dureza,...
La película Sisu ha dado proyección al concepto.
Word of the Day: "thole" -- as a noun, the ability to bear hardship. As a verb, to endure patiently, to slog through tough times; "to thole on" (Scots). Compare "sisu" (Finnish) & "ganbaru/gambaru (頑張る)" (Japanese, lit. "stand firm"). 📷 Ron Porter pic.twitter.com/yZab2FCqRG
“Sisu is a Finnish concept described as stoic determination, tenacity of purpose, grit, bravery, resilience, and hardiness and is held by Finns themselves to express their national character. It is generally considered not to have a literal equivalent in English. #Sisu is… pic.twitter.com/nCkxCIEIrP
El perseverar, a pesar de las dificultades, para tener éxito en tu cometido Una de las palabas más bonitas en japonés que significa: resistir, seguir luchando a pesar que todo indica que deberías rendirte. Abandonar todo esfuerzo. Pero no lo haces; sigues luchando. Eso es "Gaman" pic.twitter.com/J2DPKYHiIb
“Matilda” (leer en PDF) es un libro imprescindible para iniciar a los más pequeños en el hábito de la lectura, ya que es una de esas historias con tal encanto que son capaces de crear pequeños y ávidos lectores.
“Matilda” es una novela infantil escrita por el autor galés Roald Dahl. Fue publicada por primera vez en 19882. La historia se centra en Matilda Wormwood, una niña muy inteligente que, a pesar de tener solo cinco años, lee de forma fluida a diferentes autores y acumula grandes conocimientos.
Matilda es una lectora empedernida. Sensible e inteligente, todos la admiran menos sus mediocres padres que la consideran una inútil. Además, tiene poderes extraños y maravillosos. Un día, decide desquitarse y empieza a emplearlos contra la cruel señorita Trumchbull.
El padre de Matilda, Harry Wormwood, es un estafador que vende coches de segunda mano robados y estafa a sus clientes. Su madre, Zinnia Wormwood, es una mujer vanidosa y alienada a la que sólo le interesa el dinero y la apariencia física. Matilda también tiene un hermano mayor, Michael, un muchacho promedio que se pasa el día viendo la televisión.
La maestra de Matilda, Jennifer Honey, es una mujer dulce y cariñosa cuya devoción es enseñar a los niños no sólo conocimientos, sino también a ser buenas personas2. Por otro lado, Agatha Trunchbull, la directora del Colegio Crunchem, es una mujer malvada que abusa de los alumnos, imponiéndoles castigos crueles.
El autor, Roald Dahl, nació el 13 de septiembre de 1916 en Llandaff, Cardiff, Gales1. Era hijo de los noruegos Harald Dahl y Sofie Magdalene Hesselberg de Dahl1. Cuando tenía tres años, su hermana Astrid murió de apendicitis y su padre, unas semanas después, víctima de una neumonía.
Cursó sus primeros estudios en la Escuela de la Catedral de Llandaff y a los nueve años ingresó en la St. Peter’s School, un colegio privado de Weston-super-Mare1. Después estudió en la Repton School, en Derbyshire, donde la fábrica de chocolates Cadbury enviaba muestras de sus productos a la escuela para que fueran probados por los alumnos. Esta experiencia le inspiró para escribir su segundo libro para niños, "Charlie y la fábrica de chocolate".
En noviembre de 1939 ingresó en la Royal Air Force1. Durante una de sus misiones fue derribado en combate y tuvo que pasar seis meses hospitalizado.
Dahl comenzó a escribir en 1942, publicando relatos cortos en revistas y periódicos. Fue afamado guionista de cine y televisión y varias de sus obras han sido llevadas a la gran pantalla. Es autor de géneros muy diversos y de temáticas muy variadas.
Entre sus obras más populares se encuentran “Charlie y la fábrica de chocolate”, “James y el melocotón gigante”, “Matilda”, “El gran gigante bonachón”, “Agu Trot”, “Las brujas” y "Relatos de lo inesperado". Roald Dahl falleció el 23 de noviembre de 1990 en Oxford, Inglaterra.
La película, que nunca debe evitar la lectura previa o posterior del libro, fue dirigida por Danny DeVito en 1996, quien también interpreta al padre de Matilda, Harry Wormwood. Mara Wilson interpreta a Matilda, una niña prodigio que usa sus poderes telequinéticos para lidiar con sus padres abusivos y la directora de su escuela, la señorita Trunchbull, interpretada por Pam Ferris.
La película es muy querida y a menudo se recuerda por su humor único y sus personajes memorables. Aunque hay algunas diferencias entre el libro y la película (véase este vídeo), la esencia de la historia y los personajes se mantiene fiel al material original. La película ha sido elogiada por su dirección, actuaciones y fidelidad al espíritu del libro de Dahl.
Molly Steer es una niña activista ambiental de Australia que comenzó una campaña en 2018 para eliminar las pajitas de plástico de un solo uso cuando tenía solamente 9 años. Su iniciativa, llamada “Straw No More” (No Más Pajitas de Plástico), logró una atención mundial.
La campaña comenzó después de que Molly viera el documental “A Plastic Ocean” con su madre (puede visionarse al final del post). El documental mostraba la cantidad de basura en nuestros océanos y cómo afecta a los animales marinos cada día. Esto la hizo darse cuenta de que necesitaba hacer algo.
Molly siempre ha amado a las tortugas, que son uno de los animales más afectados por el plástico. Las tortugas a menudo se tragan bolsas de plástico o se les quedan atascados pajillas en la nariz.
Molly Steerdecidió dejar de usar pajitas de plástico y convenció a sus amigos de la escuela para que hicieran lo mismo. Pronto, 16 escuelas en todo el Estado se unieron a la campaña "Straw No More".
Molly tiene la ambición de que todas las escuelas de Australia, y algún día de todo el mundo, dejen de usar pajitas de plástico en sus tiendas y cafeterías escolares.
Su mensaje para aquellos que aún necesitan convencerse es simple: “No uses pajitas o te perseguiré”, bromea.
Además de su trabajo con las escuelas, Molly también ha alentado a muchos consejos municipales en todo el país a dejar de usar plásticos de un solo uso en sus operaciones y eventos diarios. Su objetivo final es eliminar todos las pajitas de plástico del mundo.
@StrawNoMoreTNQ , a movement founded by 9-year old Molly Steer. Her aim is to reduce the number of people using plastic straws and educate those on how destructive single-use plastics are to the environment. pic.twitter.com/IMrYDC8CvP
La Paradoja de Teseo es una paradoja de reemplazo que se pregunta si cuando a un objeto se le reemplazan todas sus partes, este sigue siendo el mismo. Este es un antiguo concepto de la filosofía occidental, habiendo sido discutido por Heráclitoy Platónentre los años 500 y 400 a. C. Una perfecta metáfora o descripción del dilema entre identidad y continuidad.
Según una leyenda griega recogida por Plutarco: «El barco en el cual volvieron (desde Creta) Teseo y los jóvenes de Atenas tenía treinta remos, y los atenienses lo conservaron hasta la época de Demetrio de Falero, ya que retiraban las tablas estropeadas y las reemplazaban por unas nuevas y más resistentes, de modo que este barco se había convertido en un ejemplo entre los filósofos sobre la identidad de las cosas que crecen; un grupo defendía que el barco continuaba siendo el mismo, mientras el otro aseguraba que no lo era».
Esto se puede traducir en la siguiente pregunta: ¿estaríamos en presencia del mismo barco si se hubieran reemplazado cada una de las partes del barco una a una?
Existe además una pregunta adicional: si las partes reemplazadas se almacenasen, y luego se usasen para reconstruir el barco ¿cuál de ellos, si lo es alguno, sería el barco original de Teseo?
Entre las múltiples variaciones de la paradoja se destacan dos:
Los calcetines de Locke.John Locke propuso un escenario concerniente a un calcetín favorito al que le sale un agujero. Él reflexionaba sobre si el calcetín podría aún ser el mismo después de que se aplicara un parche en él. Si así era, ¿podría entonces seguir siendo el mismo calcetín después de que se le aplicara un segundo parche? ¿Podría, en efecto, seguir siendo el mismo calcetín varios años después, incluso después de que todo el material del calcetín fuera reemplazado por parches?
La vieja hacha del abuelo. «La vieja hacha del abuelo» es una expresión coloquial de origen desconocido que describe algo a lo que le queda poco del original: «Ha tenido tres nuevas cabezas y cuatro nuevos mangos pero aún es la misma vieja hacha». La frase también ha sido usada en bromas como «Esta es el hacha original bicentenaria de George Washington…», mientras se sostiene un hacha evidentemente nueva.
Esta potente reflexión entre la continuidad y la innovación se sigue usando en temas tan diversos como las finanzas, el cine o la religión,... según puede verse en los tuits que siguen.
Mezclar la paradoja del barco de Teseo con la inversión es como mezclar churras con merinas, ¿o no? Te lo contamos todo en nuestro #Invertips ⬇️📊.
The Ship of Theseus: A New Era for Recycling Media
The world of media is entering a dramatic transformation, one that mirrors the philosophical paradox of the Ship of Theseus. In this thought experiment, a ship's parts are replaced one by one until none of the original parts… pic.twitter.com/K2ExczPnwQ
Esto es lo que se conoce popularmente como la paradoja de Teseo. Existen algunos enfoques para responder a ella cuando se trata de la identidad personal, siendo la continuidad psicológica el principal. De todas formas, lo que él plantea tiene fácil respuesta: pic.twitter.com/WmQ9we80mu
Nuestra escena preferida del cine, modelo y metáfora de eficiencia en tiempo y recursos.
En busca del arca perdida, la película dirigida por Steven Spielberg y estrenada en 1981, supuso el origen del personaje de Indiana Jones, interpretado por Harrison Ford.
En el filme, el profesor y arqueólogo Jones se enfunda el sombrero y el látigo para tratar de encontrar el Arca de la Alianza, un tesoro de incalculable valor que podría acabar en manos del ejército nazi.
Una de las escenas más emblemáticas de la película tiene lugar cuando el protagonista se enfrenta a unos malhechores en El Cairo, Egipto. Uno de los villanos saca una enorme espada con la que intenta intimidar a Jones, pero este resuelve el conflicto disparándole con una pistola.
Lo curioso es que en el guion original de la película, Indiana tenía que agarrar la espada de su contrincante con el látigo para dejarle indefenso.
Harrison Ford en ese momento de la grabación padecía disentería, una enfermedad bacteriana que produce diarreas y vómitos, entre otras dolencias.
El propio Ford aseguraría muchos años después en una entrevista que le propuso a Spielberg "disparar a ese desgraciado", algo que el director aprobó para poder saltarse esa complicada toma.
“Estábamos grabando en Túnez, y el guion tenía una escena donde peleaba con un espadachín, uno experto, y se suponía que la lucha definitiva de espada contra látigo. Hicimos un ensayo de la escena la noche anterior antes de grabarla, y Steve y yo nos dimos cuenta que nos llevaría de 2 a 3 días grabar la escena”.
Harrison Ford continúa: “Era la última cosa que debíamos grabar en Túnez antes de irnos a filmar a Inglaterra. En la escena anterior tenía una pelea con látigo contra cinco "malos" que intentaban secuestrar a Marian, así que yo creía que era redundante. Pensé como saltarnos estos tres días de rodaje, así que le propuse a Steven que sin más le disparase al desgraciado, y él dijo “Estaba pensando lo mismo”.
Who Wants To Live Forever? in the movie Highlander
La canción “Who Wants To Live Forever?” (¿Quién quiere vivir para siempre?) de Queenes una reflexión profunda sobre la naturaleza efímera de la vida y el amor. Escrita por el guitarrista Brian May, esta canción forma parte de la banda sonora de la película “Highlander” (Los inmortales) de 1986.
Aunque la película trata sobre guerreros inmortales, la canción no se centra en la fantasía, sino en la paradoja de la inmortalidad y el precio emocional que conlleva.
En la segunda mitad de la década de los 80, las cosas no iban bien para Queen.
En 1987, Freddie Mercury fue diagnosticado con VIH, aunque no hizo pública su enfermedad hasta más tarde. Por otro lado, Brian May lloraba la muerte de su padre y la ruptura de su matrimonio. Fue entonces cuando la banda vio parte del metraje sin editar de la película “Highlander”. Esto, junto con las experiencias personales de May, despertó su creatividad.
El guitarrista recuerda: “Esa fue nuestra primera experiencia con ‘Highlander’. No había leído el guión, no creo que ninguno de nosotros lo hubiera hecho. Me emocionó… Abrió una puerta dentro de mí. Estaba lidiando con muchas tragedias en mi vida: la muerte de mi padre y la muerte de mi matrimonio, entre otras cosas. Pude, inmediatamente, escuchar ‘Who Wants To Live Forever’ en mi cabeza, y estaba casi completa en el trayecto en coche hasta mi casa. Recuerdo que se la canté a mi mánager mientras me llevaba y se quedó sorprendido. Me dijo: ‘¿De dónde ha venido esto?’ y yo le contesté: ‘Ni siquiera lo sé’”.
El tema se grabó junto a la Orquesta Filarmónica de Londres, con arreglos compuestos por Brian Mayy el encargado, en parte, de la música de la película, Michael Kamen. En la película, Freddie Mercury cantaba toda la canción, aunque en la versión del disco, Brian May también cantaba varias frases, incluyendo el primer estribillo.
