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Doctor Deseo: Décadas de rock comprometido desde Bilbao

Teníamos pendiente escribir sobre la  herencia indomable del grupo Doctor Deseo, la voz insurrecta del rock vasco que siempre supo encontrar una conciencia crítica con poesía, rebeldía y rock and roll desde las entrañas de Euskadi. En el paisaje musical vasco de finales de los años ochenta, una época en la que el rock radical vasco comenzaba a transformarse y a buscar nuevas formas de expresión, surgió en Bilbao una de las bandas más influyentes y respetadas de la escena peninsular: Doctor Deseo

Fundado en 1987, el grupo se convirtió en mucho más que una banda de rock; fue la voz de una generación que buscaba canalizar sus frustraciones, sus esperanzas y su hambre de cambio social a través de guitarras distorsionadas y letras que no dejaban indiferente a nadie.

Los arquitectos del deseo. El alma de Doctor Deseo siempre fue Francis Díez, vocalista, letrista y líder indiscutible de la formación. Su voz rasgada y su pluma afilada convirtieron al grupo en un referente no solo musical, sino también poético y político. Díez, con su presencia escénica intensa y su capacidad para transformar la rabia en belleza, supo construir un universo lírico donde convivían la crítica social, el amor, la desesperanza y la resistencia.

La formación original se completaba con Antonio Aranza a la guitarra, Iñaki "Uoho" Vázquez al bajo y Aritz Aranburu en la batería, aunque a lo largo de las décadas diversos músicos pasaron por sus filas, enriqueciendo el sonido de la banda. Entre ellos destacan nombres como Santi Capel o Joseba Irazoki, contribuyendo a la evolución constante de un grupo que nunca se conformó con repetir fórmulas.

Influencias y ADN musical. Doctor Deseo bebió de múltiples fuentes para crear su particular cóctel sonoro. El rock duro y directo de bandas como The Stooges o MC5 se mezclaba con la intensidad emocional del rock sureño americano, la tradición del rock más comprometido (herederos de Burning o Leño) y la contundencia del punk. Pero lo que realmente distinguía a Doctor Deseo era su capacidad para integrar todas estas influencias sin perder un ápice de personalidad propia.

Sus letras, en castellano, constituían auténticos manifiestos generacionales. Francis Díez escribía sobre la clase trabajadora, sobre los márgenes de la sociedad, sobre el amor como acto de resistencia y sobre la dignidad de los derrotados. En canciones como "A mi pequeña María", "Busco en tus labios" o "Detrás de los espejos", la poesía y el rock se fundían en una experiencia catártica.

Legado e influencia histórica. A lo largo de más de tres décadas de trayectoria, Doctor Deseo publicó álbumes fundamentales como Vía Sur (1993), Onza tras onza (1997), Cuatro rosas y una cicatriz (2001) o El rey del Clip Club (2014). Cada disco representaba una declaración de intenciones, un grito de supervivencia en una industria musical cambiante.

La banda se convirtió en referente ineludible para generaciones posteriores de músicos vascos y españoles. Grupos como Berri Txarrak, Huntza o Belako reconocen la deuda con aquellos pioneros que demostraron que se podía hacer rock honesto, comprometido y de calidad desde Euskadi.

Tras el fallecimiento de Francis Díez en 2019, víctima de un cáncer, Doctor Deseo cerró un capítulo irrepetible de la música. Sin embargo, su legado permanece vivo en cada concierto de rock con conciencia, en cada letra que no teme mirar a los ojos de la realidad, en cada banda que elige la autenticidad frente a las modas pasajeras.

Doctor Deseo no fue solo una banda: fue una forma de entender la vida, la música y la resistencia cultural. Desde Bilbao, construyeron catedrales de ruido y esperanza que seguirán resonando mientras exista quien crea que el rock and roll puede cambiar el mundo.

@doctor.deseo No podemos describir con palabras lo vivido anoche en Bilbao ❤️🔥💋🙏🏻 Eskerrik asko Deseantes!! #doctordeseo #bilbao #musica #concierto #poorock ♬ sonido original - Doctor Deseo

Mejores canciones de folk rock de todos los tiempos

El folk rock combina la esencia del folk tradicional con la energía del rock, y ha dado lugar a muchas canciones icónicas a lo largo de las décadas. Aquí tienes una selección de algunas de las mejores canciones de folk rock de todos los tiempos:

Años 60 y 70 (La era dorada del folk rock)

  1. Bob Dylan – "Like a Rolling Stone" (1965)
  2. The Byrds – "Mr. Tambourine Man" (1965)
  3. Simon & Garfunkel – "The Sound of Silence" (1965)
  4. Buffalo Springfield – "For What It’s Worth" (1966)pg
  5. Crosby, Stills, Nash & Young – "Teach Your Children" (1970)
  6. Neil Young – "Heart of Gold" (1972)
  7. The Band – "The Weight" (1968)
  8. America – "A Horse with No Name" (1971)
  9. Cat Stevens – "Father and Son" (1970)
  10. Fleetwood Mac – "Landslide" (1975)
  11. The Mamas & The Papas - "California Dreamin'" (1965)
  12. Bob Dylan - "Blowin' in the Wind" (1963)
  13. Crosby, Stills & Nash - "Suite: Judy Blue Eyes" (1969)
  14. Joni Mitchell - "Woodstock" (1970)

Años 80 y 90 (Evolución y nuevos sonidos)

  1. R.E.M. – "Losing My Religion" (1991)
  2. The Waterboys – "Fisherman’s Blues" (1988)
  3. The Pogues – "Fairytale of New York" (1987)
  4. Tracy Chapman – "Fast Car" (1988)
  5. Natalie Merchant – "Carnival" (1995)
  6. Indigo Girls – "Closer to Fine" (1989)
  7. Counting Crows – "Mr. Jones" (1993)
  8. Bruce Springsteen - "Brilliant Disguise" (1987)
  9. Dire Straits - "Brothers in Arms" (1985)
  10. U2 - "Where the Streets Have No Name" (1987)
  11. Neil Young - "Rockin' in the Free World" (1989)
  12. Jackson Browne - "Running on Empty" (1977/80s)
  13. Paul Simon - "Graceland" (1986)
  14. Nirvana - "Pennyroyal Tea" (1993)
  15. Pearl Jam - "Better Man" (1995)
  16. Alanis Morissette - "You Oughta Know" (1995)
  17. The Wallflowers - "One Headlight" (1996)
  18. Foo Fighters - "Everlong" (1997)
  19. Bonnie Raitt - "I Can't Make You Love Me" (1991)
  20. Damien Rice - "The Blower's Daughter" (2002)
  21. Bob Dylan - "Not Dark Yet" (1997)

2000 hasta 2020 (Renacimiento del folk rock)

  1. Mumford & Sons – "The Cave" (2009)
  2. The Lumineers – "Ho Hey" (2012)
  3. Fleet Foxes – "White Winter Hymnal" (2008)
  4. The Avett Brothers – "I and Love and You" (2009)
  5. Iron & Wine – "Flightless Bird, American Mouth" (2007)
  6. Of Monsters and Men – "Little Talks" (2011)
  7. Bon Iver - "Holocene" (2011)
  8. Regina Spektor - "Fidelity" (2006)
  9. Edward Sharpe & The Magnetic Zeros - "Home" (2009)
  10. The Decemberists - "The Island: Come and See the Beavers" (2006)
  11. Ryan Adams - "When It Rains" (2000)
  12. Arcade Fire - "Wake Up" (2004)
  13. Hozier - "Take Me to Church" (2013)
  14. Of Monsters and Men - "Little Talks" (2011)
  15. Vance Joy - "Riptide" (2013)
  16. First Aid Kit - "My Silver Lining" (2014)
  17. The Head and the Heart - "All We Ever Knew" (2011)
  18. Sufjan Stevens - "Chicago" (2005/2010s)
  19. Lord Huron - "Ends of the Earth" (2012)
  20. Kings of Leon - "Use Somebody" (2008/2010s)
  21. The Tallest Man on Earth - "King of Spain" (2010)
  22. Phoebe Bridgers - "Motion Sickness" (2017)

Estas canciones representan distintas facetas del folk rock, desde los pioneros como Bob Dylan hasta el renacimiento moderno con bandas como Mumford & Sons.

Pet Rock, la mascota perfecta


La mascota más rara del mundo fue, hasta el momento, una Pet Rock o Piedra Mascota, que hizo millonario su creador, Gary Dahl, vendiéndolas en 1975. Este publicista independiente ("Esa es otra forma de decir 'en bancarrota' explicaba") las anunció como las mascotas perfectas: no era necesario alimentarlas, bañarlas, pasearlas, ni preocuparse por ellas cuando te ibas de viaje. 

Las Pet Rocks (Rocas mascota) se hicieron enormemente populares en Estados Unidos, capturando durante unos breves meses el espíritu libre -o algunos dirían la estupidez- de la época. Gary Dahl concibió la idea mientras tomaba unas cervezas con amigos en su ciudad natal, en el norte California. Empezaron a hablar sobre las mascotas y cuánto mantenimiento requieren algunas, y Dahl les dijo que tenía las mascotas perfectas: rocas. 

Entonces decidió empaquetar algunas y ponerlas a la venta. Los Pet Rocks eran exactamente lo que decía en su envoltorio: piedras ordinarias, de forma ovalada, importadas de una playa en México y empaquetadas en una caja de cartón que tenía agujeros de ventilación y un nido de paja, muy parecido a un portador de mascotas.

Pet Rock, la mascota perfecta
El toque de oro era el manual que acompañaba a la roca, donde se aconsejaba cómo entrenar y cuidar a la mascota de piedra. Incluía instrucciones como esta: "Las Pet Rocks son fáciles de entrenar. Pueden aprender rápidamente a 'sentarse', 'quedarse' y 'hacerse el muerto'". Otro consejo decía: "Nunca lleve a su Pet Rock a nadar. Se sabe que son malos nadadores y se hundirán hasta el fondo. Está bien darles un baño ocasional en aguas poco profundas". 

El singular manual también informaba a los propietarios que las mascotas de piedra "parecen prosperar sin comida", que son "bastante perezosas" y que son "tercas y no vendrán cuando se los llame". "Disfrutan de las vacaciones" y "prefieren viajar en los bolsillos", agregaba. 

Las rocas se comercializaban por US$3,95 (equivalente a US$15 de hoy) y Dahl vendió más de cinco millones en 1975. Se convirtió en un millonario antes de que su idea se pasara de moda, después de Navidad. Según el New York Times, con ese dinero cambió su automóvil por un Mercedes Benz y reemplazó la pequeña cabaña en la que vivía por una gran casa con piscina. Aunque Dahl patentó la idea de las rocas como mascotas, eso no evitó que otros lo copiaran. 
Gary Dahle, inventor de Pet Rock, la mascota perfecta
Gary Dahl realizó una serie de proyectos fallidos, que incluyeron un "Kit de cría de arena" del desierto que comercializó en 1976 (permitía a los compradores "criar" arena de tubos "masculinos" y "femeninos"). En 1978 intentó vender cubos acrílicos con tierra que, según dijo, había sido sacada de contrabando de China. Los cubos costaban US$5,95 cada uno. "Si suficientes estadounidenses compran una pulgada cuadrada de tierra de China Roja, en poco tiempo habremos sacado todo el país de debajo de sus narices", le dijo a la revista Time en ese momento. 

También probó invertir en otros emprendimientos: abrió una taberna y un negocio de corretaje de veleros. "Un montón de locos" Pero ninguna de estas ideas despegó. Así que Gary Dahl retornó a la publicidad y escribió el libro "Advertising for Dummies" (Publicidad para tontos) en 2001. 

Falleció en 2015 a la edad de 78 años, con sentimientos encontrados sobre la idea que lo hizo rico. "Me dio un perfil demasiado alto", dijo a Associated Press en 1988. Desde que creó Pet Rock, afirmó, pasó demasiado tiempo lidiando con inventores que se le acercaban con todo tipo de ideas sin sentido: "un montón de locos", los llamó. "Hay una extraña periferia de locos que cree que yo les debo una forma de vida", señaló. "A veces miro hacia atrás y me pregunto si mi vida no hubiera sido más simple si no lo hubiera creado".

Otros posts sobre mascotas.

Museo de Arte Moderno y mirador Top of the Rock

Sexto día en NYC, miércoles 28-8-24
Imprescindible visita al MoMA
Museum of Modern Arte
Noche estrellada de Van Gogh
Las señoritas de Avignon de Picasso

Contempla obras maestras de artistas como Van Gogh y Picasso.  

Museo de Arte Moderno (MoMA)

Anuncio rodante del mirador
Mirador Top of the Rock
Viendo el espectáculo humano del turismo
Rockefeller Center: Visita el Top of the Rock. 
 
Álbum con miles fotos y vídeos de este viaje.
También en Twitter, InstagramFacebookTikTok,.., con etiqueta #EnNYC2024.
Viaje anterior por la costa oeste, USA2012.
Más posts de este viaje a NYC en verano de 2024.
@agirregabiria Museo de Arte Moderno (MoMA): Contemplando obras maestras de artistas como Van Gogh y Picasso. #EnNYC2024 ♬ sonido original - Mikel Agirregabiria
@agirregabiria Mirador Top of the Rock en Rockefeller Center de New York City. #EnNYC2024 ♬ I'm Alive - Céline Dion
@agirregabiria Mirador Top of the Rock en Rockefeller Center de New York City. #EnNYC2024 ♬ Viva La Vida - Coldplay

Live is life: La doble vida del mayor éxito de OPUS

"Live Is Life", otra de nuestras canciones preferidas de los años '80, fue el himno fortuito que unió dos Europas y definió una era. En la historia de la música hay canciones que trascienden su propio marco sonoro para convertirse en símbolos de una época, en banderas involuntarias de sentimientos colectivos. "Live Is Life" del grupo austríaco OPUS es una de ellas. 

La historia de la canción comenzó de manera casi accidental. El 2 de septiembre de 1984, Opus celebraba su 11.º aniversario con un concierto en el estadio de Oberwart, Austria. Allí interpretaron por primera vez Live Is Life en directo —entre vítores y aplausos de una audiencia entusiasta— y, debido a una falla técnica en la grabación inicial, tuvieron que repetir la canción como bis, lo que capturó la energía del momento de manera auténtica y espontánea.

Más allá de su pegadiza melodía y su coro edificante, esta canción es un fascinante estudio de caso sobre cómo el arte puede adquirir significados imprevistos, navegando sobre las olas de la historia. No es solo un éxito pop; es un puente musical que conectó el Este y el Oeste en un momento crucial del siglo XX, un fenómeno cultural que merece ser diseccionado.

Autores: OPUS y el Genio de Ewald Pfleger. OPUS se formó en 1973 en Graz, Austria, consolidándose como una de las bandas de rock más importantes del país germanoparlante. Su figura central era (y sigue siendo) Ewald Pfleger (nacido en 1953, nuestro año), el vocalista, teclista y principal compositor. Pfleger, un músico de formación clásica (piano y violín), siempre buscó fusionar el rock con elementos sinfónicos y corales, creando un sonido grandilocuente y emotivo que se conocería como "rock andaluz" o "rock sinfónico".

Fue Pfleger quien, en 1984, compuso "Live Is Life" ("Leben ist Leben" en su versión original en alemán). La canción nació casi por accidente durante una sesión de improvisación en vivo en un concierto en el estadio de Graz. La línea de bajo hipnótica y la estructura de llamada-respuesta con el público se gestaron en ese momento de pura conexión. La letra, aparentemente simple y universal, habla de unidad, celebración y la fuerza creadora de la vida: "Cuando todos dan energía / Cuando todos dan lo mejor / Entonces la vida es vida". Pfleger concibió la canción como un himno a la vitalidad y la comunidad, sin sospechar el vuelco histórico que tomaría.

El álbum "Live Is Life" se publicó en 1985, y el sencillo homónimo se convirtió en un éxito instantáneo en gran parte de Europa. Su vídeo musical, filmado en ese mismo concierto en Graz con miles de fans coreando y moviendo pañuelos blancos, reforzó su poder de himno colectivo. Alcanzó el número 1 en países como Alemania, Suiza y Austria, y llegó al top 10 en varias listas europeas. Su versión en inglés, grabada poco después, globalizó su mensaje.

La Influencia Histórica: El Himno no Oficial de la Perestroika y la Caída del Telón de Acero. Aquí es donde la historia de "Live Is Life" da un giro extraordinario. A finales de los 80, mientras Occidente coreaba la canción en estadios, en los países del bloque soviético (especialmente en la Unión Soviética y Alemania Oriental) la canción comenzó a filtrarse de manera clandestina. Se convirtió en un fenómeno de culto.

Su letra, interpretada como un canto a la libertad, la unidad y el poder del pueblo, resonó profundamente con una juventud ávida de cambio. La canción fue adoptada de manera no oficial por los movimientos pro-democracia. Cuando en 1989 el Telón de Acero comenzó a resquebrajarse, "Live Is Life" sonó en manifestaciones y reuniones. Era una canción occidental, pero su mensaje era lo suficientemente universal y ambiguo como para eludir la censura directa, transformándose en un símbolo de esperanza y cambio pacífico.

Para millones de personas en el Este, OPUS no era solo una banda de rock; eran los portadores de un himno que sintetizaba sus aspiraciones. Este capítulo convierte a "Live Is Life" en mucho más que un éxito comercial: es un artefacto musical de la Guerra Fría tardía, un testimonio del poder de la cultura pop para penetrar fronteras políticas y alimentar el imaginario de una revolución pacífica.

Legado y Relevancia Actual: "Hoy, "Live Is Life" sigue siendo un must en los eventos deportivos (especialmente de fútbol), festivales y publicidad. Su riff de bajo es inmediatamente reconocible. Pero conocer su historia dual —su origen como himno de estadio y su adopción como banda sonora de un cambio histórico— enriquece profundamente su escucha.

La canción nos habla de la capacidad del arte para adquirir significados imprevistos por su autor. Es un recordatorio de que, en ocasiones, la cultura se adelanta a la política, creando marcos emocionales compartidos que pueden, incluso, ayudar a derribar muros.

Escuchar "Live Is Life" hoy es hacer un viaje en el tiempo. Es revivir la efervescencia de un concierto de los 80, pero también es conectar con un momento de vértigo histórico donde todo parecía posible. La genialidad involuntaria de Ewald Pfleger y OPUS fue crear una cápsula musical lo suficientemente abierta como para que medio mundo proyectara en ella sus sueños de libertad y unidad. En ese sentido, "Life Is Life" no solo habla de la vida; es un vibrante testimonio de cómo la vida, en su búsqueda de expresión y conexión, puede escribir la historia a través de una canción.

@gonzowav Live is life: OPUS y el nacimiento de un himno mundial #inspiration #animation #opus ♬ sonido original - GONZOWAV

Lau teilatu, ya un clásico intergeneracional del rock vasco

Lau teilatu, ya un clásico del rock vasco 
Lau teilatu lo cantábamos con nuestros hijos, y ahora lo cantan nuestros nietos,... Foto con su letra (obra de Juan Carlos Pérez) colgada en su pizarra,...
«Lau teilatu» —en español: Cuatro tejados— es un sencillo de la banda de rock vasca Itoiz, grabado en mayo de 1978 e incluido por vez primera en su primer álbum homónimo de la banda. «Lau teilatu» es, probablemente, una de las canciones más populares en euskera de la primera mitad de los años 1980,... y aún lo es en 2019.​
El formato no importa; la música, sí. Coro, orquesta, en Spotify o en el coche,...
Otros 367 posts más con nuestra música preferida,... 

Xumel: Rock vasco en su máxima expresión desde Getxo

Primer videoclip de XumelZure begi gardenak

Pasear por Getxo siempre es un placer. Pero una delicia adicional es encontrarse y escuchar a dos componentes de Xumel (@XumelTheBand) en el Muelle de Areeta. Jon e Iker, en euskera,... Hemos grabado un par de minutos (mejor escucharlos en el TikTok final), y les hemos recomendado Bizum para sus gastos.

Xumel, es una banda de rock formado en Getxo. Un cuarteto joven formado en 2020 por Peio Bilbao en la batería, Jon Sortelle en guitarra y voz, Martín Hernández en bajo y teclado, e Iker Martín en guitarra y voz. 
En noviembre de 2022 el grupo Xumel publicó el primer trabajo de su carrera: Framed. Se trataba de un EP compuesto por cuatro canciones. En mayo de 2024 acabaron de lanzar su último éxito 'Zure begi gardenak'.
@agirregabiria

Xumel, banda de rock de Getxo, Iker a la voz y la guitarra, Jon a la voz y la guitarra, Martín al bajo y Peio a la batería.

♬ sonido original - Mikel Agirregabiria

Biblioteca Pública de NYC, librerías, tiendas y Estación Central

Quinto día en NYC, martes 27-8-24
Librería Barnes & Noble
Best Buy mejor precio Apple Watch SE 

The New Public Library
En Bryant Park comiendo Bagles 
Libros en zona infantil 
Bryant Park con carrusel
Un parque perfecto para comer y descansar
Bagles,… Luego Whole Food, Comida sana comprada por Amazon 
Estación Central de NYC
Grand Central Terminal, 89 E 42nd St, New York, NY 10017. 
Admira su majestuosa arquitectura.  

Tienda Disney
Un ejemplo más de las tiendas que ocupan manzanas enteras


Cena en el Hard Rock
Repleto de objetos y dedicatorias de músicos célebres


Five Below y Cena en Hard Rock
 
Álbum con miles fotos y vídeos de este viaje.
También en Twitter, InstagramFacebookTikTok,.., con etiqueta #EnNYC2024.
Viaje anterior por la costa oeste, USA2012.
Más posts de este viaje a NYC en verano de 2024.

Stormy Mondays con Igor Paskual en ESET FIMP

Stormy Mondays con Igor Paskual en ESET FIMP
En el amplio programa de ESET FIMP (Foro Internet Meeting Point) de Gijón se incluía un concierto en su día de cierre, el sábado 8 de octubre de 2011, tras las concentrada sesiones anteriores. Disfrutamos con Stormy Mondays con Igor Paskual (Guitarrista Loquillo y los Trogloditas).

Igor Paskual (www.igorpaskual.com) nació en San Sebastián en 1975, pero ejerce de asturiano hasta la médula. Criado en Oviedo y vecino de Gijón, en su época de universitario fue el líder de Babylon Chât con el que editó tres discos. Fue guitarrista y compositor de Loquillo y los Trogloditas, con quien presentó el disco Balmoral que ha sido nominado en los premios Grammy latinos y citado como décimo mejor disco de la historia del rock español según la revista Rolling Stone. Este año, editó su primer trabajo en solitario, “Equilibrio Inestable”. [Información de la web de ESET FIMP]

Stormy mondays es la banda de Jorge Otero, una banda de rock, con discos en inglés y también en castellano. Declaran que Internet es su aliado, y que no son socios de la SGAE usando las nuevas tecnologías para difundir su música. Todas las canciones se pueden escuchar y descargar gratis en su web, y también se pueden comprar sus discos en edición limitada. En 2010 publicaron dos EP, sin pasar por tiendas ni discográficas. Les parece que la dosis musical ideal para estos tiempos es entre tres y cinco canciones. [Información de la web de ESET FIMP]

Algunas imágenes del cierre musical y otros vídeos (, 2º anexado en medio, y grabados por móviles y cámaras). Web oficial del grupo: www.stormymondays.com. Más posts sobre ESET FIMP Gijón.

The final Countdown, música de los años 80


«The Final Countdown» es una canción interpretada por el grupo sueco de hard rock Europe. Fue lanzada en 1986 con el primer sencillo de su álbum The Final Countdown. La canción ocupó la primera posición en las listas de popularidad de 25 países, incluyendo el Reino Unido. En los Estados Unidos, alcanzó el número 8 en el Billboard Hot 100 y el 18 en el Billboard Mainstream Rock Tracks. «The Final Countdown» fue certificado como sencillo de oro en el Reino Unido en 1986.

Las estrofas ocupan tan solo 14 versos y el estribillo es bastante sencillo de memorizar, la letra de “The Final Countdown” tiene un significado más inquietante y distópico de lo que parece. La escribió el vocalista Joey Tempest, que también compuso la famosa melodía de sintetizador.
The final Countdown, música de los años 80
Inspirada en Space Oddity de David Bowie, cuenta la historia de la humanidad abandonando el planeta Tierra porque ya es imposible vivir en él. Aunque no se especifican las razones, en los años 80 hubo muchas canciones que reflejaron el miedo a las consecuencias de una guerra nuclear: desde  Dancing with tears in my eyes de Ultravox, pasando por Hammer to Fall de Queen hasta When the wind blows de David Bowie

La causa nuclear tendría sentido porque la letra dice “I guess there is no one to blame” (“Supongo que no hay nadie a quien culpar”), como queriendo decir que hubo errores en todos los bandos implicados en esa supuesta guerra. Otras opciones son el cambio climático, que estaba teniendo más repercusión a finales de los 80 y principios de los 90 por el calentamiento global, o, si nos ponemos más fantásticos, un desastre como un meteorito o una invasión alienígena que nos obligue a irnos a todos en busca de un nuevo hogar.

Sea como sea, la canción relata cómo los humanos nos embarcamos todos juntos en una nave hacia Venus, que, según Joey Tempest, sería nuestra nueva casa. Venus es el planeta más cercano a la Tierra y ha habido muchas teorías e investigaciones sobre su colonización. 

Treinta años después, Marte parece ser el planeta B porque para poder vivir en Venus (el nuevo Marte) tendríamos que ser capaces de, entre otras cosas, tolerar la gran cantidad de dióxido de carbono de su atmósfera, así como soportar los más de 460ºC de su superficie.

La canción es ya un icono de una época, pero sin el menor rigor científico. Habla de la distancia de tantos años luz entre la Tierra y Venus, pero esos aproximados -según el momento- 40 millones de kilómetros apenas son poco más de 2 minutos luz.
Ya explicamos en el post del "sesgo de supervivencia" la calidad de la música de los '80.

Musical de musicales, de Bankinter, una banca diferente

 
Hemos disfrutado esta tarde con el paso por Bilbao de la Gira Bankinter 2016, en su séptima edición anual, que nos ha ofrecido en esta ocasión un espectáculo único: “El musical de musicales”, un recorrido por las canciones más famosas de Broadway y que reúne, por primera vez, a los artistas más aclamados de la escena del musical.

Bankinter ha creado en exclusiva para sus clientes la Gira más original que reúne en un solo espectáculo los mejores números de los musicales de Broadway que más éxito han cosechado en los escenarios. A este musical están invitados de forma exclusiva clientes del banco tanto del área de Banca Personal y Privada, como de la de Banca de Empresas.

De “Los miserables” a “Chicago”: Para poner en escena esta completa obra, Bankinter se ha apoyado en la colaboración de Stage Entertainment, la productora que ha traído a España los musicales de mayor éxito de todos los tiempos. El banco ha elegido como conductor del espectáculo a una de las voces españolas más representativas del mundo de los musicales, Daniel Diges, que ha sido protagonista de algunos de los musicales más renombrados en España en los últimos años, como “Hoy no me puedo levantar”, el musical producido por Queen “We will rock you”, además de “Mamma mia!”, “Los miserables”, “La bella y la Bestia” o “High School Musical”. Diges lanzó hace unos meses su nuevo trabajo discográfico “Calle Broadway” inspirado en los grandes musicales.
Musical de musicales, de Bankinter, una banca diferente
En este musical de musicales, el espectador podrá disfrutar de un mágico recorrido por las canciones más famosas de Broadway interpretados por un elenco de artistas del musical. Con esta creación se busca representar lo mejor de “Los miserables”, “La bella y la Bestia”, “Jesucristo Superstar”, “Cabaret”, “Chicago”, “El Fantasma de la Ópera”, “El Hombre de la Mancha”, “Mamma Mia!”, “El Rey León” y “Fiebre del Sábado Noche”.

Con esta iniciativa cultural, Bankinter busca mejorar la satisfacción y la vinculación de sus clientes, a través de un proyecto innovador, diferente y con grandes dosis de talento creativo, que está en línea con los valores de la entidad.

Como única sugerencia de mejora, en agradecimiento a un exquisito trato recibido y una inmejorable ubicación en el Auditorium del Palacio Euskalduna, hubiese sido el uso de alguna palabra en euskara. Un simple "Gabon" (Buenas Noches) en la breve alocución de la María Dolores Dancausa, Consejera Delegada de Bankinter, que acertó al relatar el origen naviero del Palacio Euskalduna.

El wifi no es peligroso

El Wi-Fi, o wifi, nace en 1999 con la Wi-Fi Alliance (nombre actual) que buscaba hacer compatibles los diferentes estándares de comunicaciones inalámbricas. Las empresas 3com, Airones, Intersil, Lucent Technologies, Nokia y Symbol Technologies se reunieron para crear la Wireless Ethernet Compability Aliance, WECA, así llamada entonces. La Wikipedia habla extensamente de los "riesgos del Wi-Fi", pero se refiere a la seguridad en lo relativo a la transmisión de la información. Las redes Wi-Fi operan en la banda de 2.4 GHz, y la tercera generación (3G) de telefonía móvil en 3.5GHz, y la próxima cuarta generación (4G) en 3.9GHz.

El Wi-Fi pertenece a las radiaciones electromagnéticas (EM, no confundir con las ondas mecánicas como el sonido) de las microondas, que por su posición en el espectro general, que de menor energía a mayor abarca desde las ondas de Radio – TV – Microondas – Infrarrojos – Visible- Ultravioleta - Rayos X hasta los Rayos Gamma. El Wi-Fi es una de las Radiaciones NO IONIZANTES, que no penetran en las moléculas (algo probado por el efecto fotoeléctrico descubierto por Einstein, y por el que le otorgaron el Premio Nobel de Física de 1921).
Las ondas no ionizantes por su frecuencia a la que emiten no son capaces de romper, ni de mutar las células. La energía de sus fotones es el producto de la constante de Planck por la frecuencia ν de la onda lumínica. Es cierto que con esta misma frecuencia operan los hornos microondas de la cocina, y son capaces de calentar el agua, pero la potencia aplicada es muy superior (de orden de 500 ó 1.000 veces, lo que dista de 0,1-1 W hasta 800-1.000 W), por lo que serían necesarios acumular centenares de emisores Wi-Fi en muy poco espacio para producir un calentamiento similar.

Es cierto que siempre se invoca el principio de precaución ante los riesgos desconocidos, pero conviene recordar que tras miles de investigaciones (y aún hay decenas en marcha), la ciencia NO HA HALLADO RELACIÓN entre estas ondas EM y ninguna enfermedad. No hay ninguna prueba científica convincente de que las débiles señales de RF, y bastaría una sola para prohibir estos equipamientos, procedentes de las estaciones de base y de las redes inalámbricas tengan efectos adversos en la salud.
Llevamos décadas conviviendo con estas radiaciones EM producidas por la humanidad: Hace más de 100 años comenzó la radio (usadas en 1897 por Marconi y desde 1906, en emisiones utilizando el principio heterodino, cuando Reginald Fessenden transmitió desde Brant Rock Station (Massachusetts) la primera radiodifusión de audio de la historia). Son más de 50 años de TV, 20 años de móviles, 11 de Wi-Fi, WiMax,...

La referencial Wikipedia se ocupa de la seguridad del Wi-Fi, pero de la seguridad de los datos, de la información transmitida,… Sólo en la versión inglesa se referencian algunos estudios relativos a la salud, sin pruebas fehacientes que superen el "método de doble ciego" (herramienta del método científico que se usa para prevenir que los resultados de una investigación puedan estar influidos por el efecto placebo o por el sesgo del observador). La hipersensibilidad electromagnética, está recogida en la Organización Mundial de la Salud OMS como una enfermedad mental, psicológica, propia de enfermos imaginarios que somatizan su miedo,… una percepción de riesgo, una auto-sugestión de algo amenazante subjetivamente,… Varias asociaciones que amparan estas fobias son de una fuente común y están movidas por intereses económicos, vendiendo "mantas" que protegen a los bebés,...

Decenas de estadounidenses que dicen haber caído enfermos por las consecuencias del wifi se refugian en la localidad de Green Bank, en West Virginia, un área de exclusión de 33.000 kilómetros donde están prohibidas por ley las emisiones de radio,... a fin de no perturbar las delicadas emisiones que recogen los potentes radiotelescopios allí instalados.

Es cierto que la OMS ha establecido en la categoría 2B al Wi-Fi entre los posibles carcinógenos aún bajo observación, al igual que el café, los vegetales encurtidos (conservados en vinagre), la gasolina, los tintes,… Está fuera del Grupo 1, carcinógenos para humanos; y del Grupo 2A, de "probables carcinógenos",... Lo que dice la Organización Mundial de la Salud, si consultamos su página web, es que la exposición a radiofrecuencia de estaciones (RF) de base oscila entre el 0,0002% y el 2% de los niveles establecidos en la directrices internacionales sobre los límites de exposición. Su conclusión es que «Teniendo en cuenta los muy bajos niveles de exposición y los resultados de investigaciones reunidos hasta el momento, no hay ninguna prueba científica convincente de que las débiles señales de RF procedentes de las estaciones de base y de las redes inalámbricas tengan efectos adversos en la salud». Ésa es la versión científica vigente a nivel internacional.

Para finalizar hay quienes, legítimamente, recomiendan sustituir las conexiones Wi-Fi por cables físicos con conectores RJ ethernet 45, a fin de disfrutar de Internet. Es cierto que con ello no renunciamos a todo el aporte de la realidad digital, pero sacrificaríamos algi tan esencial con la cultura científica que es una competencia básica. Porque aceptar riesgos infundados del Wi-Fi exigiría unas escuelas también sin bombillas (la luz visible es mucho más energética que el Wi-Fi), sin sol, sin teléfonos inalámbricos, Radio-TV, LEDs,… y sin m-learning. Sin contar que los accidentes (sí probados de caerse con 25 ó 30 conexiones por cable) que se producirían.
Debate sobre Wi-Fi en los centros escolaresPost complementario sobre nuestra intervención en un debate de ETB-2: Un milagro por televisión, en directo. Y otro debate de Escépticos sobre el mismo tema.